Спор о цвете платья на


Спор о цвете платья на

Спор о цвете платья на

Спор о цвете платья на



ОДНОЙ ДОРОГОЙ ПО ЖИЗНИ КОНСТАНТИН МИРОШНИК И НАТАЛИЯ КУРГУЗОВА-МИРОШНИК

Константин Мирошник и Наталия Кургузова-Мирошник - необычные живописцы, все свои картины они пишут вместе. Вместе определяют тему будущего полотна, вместе собирают материал, вместе работают. Талант каждого из художников имеет свои оригинальные оттенки, которые, соединяясь в едином произведении, приобретают совершенно особое звучание. Молодые мастера обладают разным видением колорита, не схожи и их художественные манеры письма. Но в творчестве, равно как и в жизни супруги дополняют друг друга, составляя единое целое.
Искусство Константина и Наталии поражает своей полифонией тем и сюжетов. Их полотна всегда разнообразны в своих переживаниях и эмоциях, порой лиричны, а порой исполнены драматизма. Но они неизменно находит отклик в душе каждого человека. И здесь не имеет значения, смотрим ли мы на, созданные поэтической кистью мастеров, удивительные портреты, пейзажи, натюрморты, или на написанные с тонкой проникновенностью полотна, посвященные Великой Отечественной войне. Везде звучит их удивительный дар, стремление к созерцательности и вдумчивым размышлениям.

КАК ВСЕ НАЧИНАЛОСЬ.
НАТАЛИЯ

«Ну все, значит суждено быть тебе художницей» - эти пророческие слова произнес Владимир Александрович Кургузов, увидев, что его четырехлетняя дочка Наташа, играя в парикмахерскую, подстригла, новые беличьи кисти своей старшей сестры.
Наталия Кургузова-Мирошник родилась 10 февраля 1973 года в Калуге.
Так с четырех лет Наташа начала посещать ИЗО-студию, а в семь лет стала ученицей детской художественной школы в своем родном городе. Здесь не обошлось без казусов: как-то на уроках искусствоведения, преподаватель обратила внимание на то, что Наташа, вместо того, чтобы делать записи в тетради по предмету, просто калякает. Девочку вызвали в коридор, стали ругать и стыдить, а потом, к всеобщему удивлению, выяснилось, что семилетняя Наташа – первоклассница, просто еще не умеет писать, в отличие от других учениц своего класса, которым было по 11-12 лет. Высокий уровень подготовки и удивительный талант маленькой художницы, заставил членов приемной комиссии художественной школы взять девочку на обучение, невзирая на то, что ей еще было очень мало лет.
Педагогом Наташи Кургузовой был необычайно талантливый художник – Георгий Герасимов - тонкий акварелист, благодаря которому многим мастерам кисти была открыта дорога в настоящее искусство. Наталья вспоминает, что Герасимов был невероятно требовательным педагогом. И старания учителя имели свои плоды - девочка получила прекрасную базовую подготовку. Георгий Николаевич приучал к точности руки, воспитывал видение сложности и богатства колорита, побуждал учеников много работать на открытом воздухе - на пленэре, чтобы лучше видеть и чувствовать естественную красоту природы.
Родители также уделяли внимание воспитанию в Наталии будущего яркого художника – были и прогулки по живописным местам родного города, и посещение художественных и краеведческих музеев, и осмотр достопримечательностей, исторически значимых мест.
Следующим этапом в творческом развитии Наталии становится учеба в Московской средней художественной школе при институте им. В.И. Сурикова. В то время из Москвы в Калугу прибыла комиссия, отбиравшая юных художников, которым предлагалось отправиться в московскую школу-интернат, при Суриковском институте, где наиболее талантливые дети из разных уголков Советского Союза имели возможность жить и постигать мастерство живописи.
Родители Наталии - Евгения Ивановна и Владимир Александрович, понимали, что учеба в столице может стать мощным толчком для творческого роста их дочери, и потому приняли тяжелое, но верное и смелое решение – отправить девочку в Москву. Наташу пришлось уговаривать, она долго не соглашалась уезжать из родительского дома, и поддалась на увещевания лишь тогда, когда мама пообещала подарить ей розовое платье и розовые сапожки.
Учеба в московской художественной школе в момент изменила повседневную действительность девочки, о беззаботной детской жизни можно было забыть. Занятия проходили каждый день. Процесс овладения мастерством рисунка, живописи, композиции требовал беспрестанной напряженной работы. Ученики должны были постоянно трудиться, совершенствовать себя в живописи, чтобы добиться ощутимых результатов.
Именно во время своего обучения в школе, Наталия знакомится со своим будущим учителем - художником Ильей Глазуновым. Наталия училась в одном классе с дочерью Глазунова - Верой, поэтому Илья Сергеевич часто бывал у них на занятиях, давал комментарии по поводу работ начинающих мастеров, помогал советами, рекомендовал книги для чтения. Общение со знаменитым художником имело мощное и плодотворное воздействие на молодую художницу. Поэтому не удивительно, что по окончании интерната Наталия пишет необычную для выпускницы художественной школы работу - диптих, посвященный трагическим моментам русской истории. Одна из картин изображает княгиню Елизавету Федоровну, покидающей Марфо-Мариинскую обитель, второе произведение было посвящено отречению Николая II от престола, оба полотна в настоящее время хранятся в фонде школы.
Таких серьезных тем выпускники МСХШ, как правило, не брали, но для Натальи общение с Глазуновым, увлечение историей России, чтение Солоухина, Карамзина, Ключевского дало мощнейший рывок к тому чтобы не идти в своем искусстве по торной дороге, а заявить о себе как о мастере, способном решать сложнейшие живописно-композиционные задачи, достигать высокой глубины и сильнейшей эмоциональной напряженности в своих полотнах.
Закончив с отличием МСХШ, Наталия успешно выдерживает экзамены и поступает в Суриковский институт, но вдруг, к всеобщему удивлению, забирает документы, поскольку теперь она точно знает, что хочет учиться у Ильи Глазунова.
Идея создания Академии принадлежит художнику и общественному деятелю Илье Сергеевичу Глазунову. В 1986 году, когда в стране только началась перестройка, было принято решение открыть новое художественное высшее учебное заведение в котором будут возрождены реалистические традиции русской художественной школы – Императорской Академии Художеств в Петербурге и Московского Училища живописи, ваяния и зодчества. Был поставлен вопрос о возвращении художникам России здания МУЖВиЗ по Мясницкой, 21 и размещении в нем создаваемой Академии. Илья Глазунов, предвидя развитие событий в связи с перестройкой и понимая необходимость создания российских учреждений а области высшего художественного образования, предложил руководству страны решить эти вопросы. Нельзя сказать, что решение было принято сразу. Однако умение убедить в правоте своих доводов и авторитет художника, сыграли свою роль. Академия была создана и первым ректором ее был назначен в 1987 году Илья Сергеевич Глазунов. Первый набор студентов в новую Академию был осуществлен в 1989 году. Первоначально занятия студентов проводились в полуразрушенных помещениях в доме на Мясницкой или в различных арендуемых Академией зданиях. Основу преподавателей живописного факультета составили ученики портретной мастерской, которой руководил И.С. Глазунов в институте имени В.И. Сурикова.
Надо отдать должное правительству города Москвы и лично мэру города Ю.М. Лужкову, который помог Академии в трудную пору ее существования, выделив в аренду необходимые учебные помещения. Благодаря этой помощи Академия смогла продолжать учебный процесс и проводить ежегодные наборы студентов.
При поступлении в Академию, молодой художнице Наталии Кургузовой предстояло столкнуться с неожиданными трудностями – на тот момент, Илья Сергеевич принципиально не принимал в свою Академию девушек, полагая, что женщине трудно достичь успехов в живописи, поскольку ее главное предназначение – быть хранительницей семейного очага.
И все-таки необычайно талантливым художницам-абитуриенткам Наталье Кургузовой, Вере Глазуновой, Сайде Афониной удалось своими талантливыми работами убедить ректора Академии взять их на обучение, поверить в их творческий потенциал и пересмотреть свое мнение. Став первыми ученицами Глазунова, художницы дали возможность другим талантливым начинающим мастерам раскрыть себя, и теперь девушки занимают ощутимый процент от общего числа студентов Академии Ильи Глазунова.
Учеба в Академии была очень напряженной. Каждый день для студентов начинался в шесть часов утра, даже выходные дни не освобождали их от работы. Просыпались, одевались и шли на этюды. Бывало, на улице мороз такой, что краска застывает, а художники продолжают трудиться…
От каждого студента требовалось ежедневно нарисовать на менее семидесяти карандашных набросков. А где найти столько разных лиц, где уловить такое разнообразие ракурсов? Конечно в метро. Поэтому художники, вооружившись карандашом и бумагой, садились утром в подземную электричку и начинали работать. Семьдесят набросков готово – можно идти завтракать. Если же по какой-либо причине не смог сделать это задание, значит, завтра придется выполнять уже сто сорок набросков.
Затем к девяти утра студенты спешили в Академию. В два часа занятия заканчивались, ребята возвращались в общежитие, обедали и вновь садились за работу - писать гризайль и так каждый день.
Илья Глазунов уделял много внимания своим питомцам, всерьез занимался их воспитанием, знал почти всех студентов в лицо и по именам. Ректор мог приехать в общежитие в любое время суток, даже в двенадцать часов ночи, такие внезапные визиты учителя были очень показательными и давали возможность узнать, кто лоботрясничает, кто устраивает веселые вечеринки, а кто стремится постоянно работать над собой, совершенствовать свое мастерство. Так вот, Наташу можно было видеть только у мольберта, что всегда приятно удивляло и радовало ректора.
Такой напряженный, непрерывный творческий труд довольно быстро приносил свои плоды, за короткое время молодые мастера начинали делать колоссальные успехи в живописи!
Илья Сергеевич, чтобы лучше познакомиться со своими студентами, часто приглашал их к себе домой. Все усаживались за большой стол, беседовали, пили чай. Чтобы услышать каждого из ребят, узнать, о чем они думают, что их волнует, Глазунов предлагал всем написать об этом и затем зачитать. Обычно Илья Сергеевич предлагал для обсуждения конкретные темы, но мог дать и задание посложнее. Однажды ректор попросил художников представить, что через несколько минут их не станет, от них останется только лист бумаги, на котором они рассказывают о себе, о своем искусстве, чем жили, о чем думали. Затем все вслух читали эти письма, кто-то смеялся, кто-то плакал…
С необычайной теплотой и ностальгией вспоминает Наталья первый и второй курсы Академии, когда все студенты вместе с ректором выезжали на творческую практику в Петербург. Было тяжело: быстро заканчивались деньги, выдаваемые Академией на проживание, изнашивалась обувь от постоянных передвижений по городу в поисках наиболее живописных уголков для написания этюдов. Но все равно ребята были счастливы, оттого, что имели возможность каждое утро ходить в Эрмитаж, в Русский Музей, помногу раз посещать пригородные дворцы Петербурга, рисовать Летний сад и в дождливую и в солнечную погоду. Именно в это удивительное время Наталия знакомится со своим будущим мужем Константином Мирошником.
По окончании практик обязательно устраивался ректорский просмотр картин. Во время одного из таких просмотров, лучшей работой была признана копия Ван Дейка «Портрет Томаса Чалонера» (1992), выполненная первокурсницей Натальей Кургузовой. Копия была написана настолько профессионально, что заслужила восхищение комиссии, а ректор Илья Глазунов повесил картину у себя в кабинете, что было лучшей похвалой для молодой художницы. Этот Наташин успех был также поощрен денежной премией, что в то время явилось большим подспорьем в ее студенческой жизни.
На четвертом курсе Академии Наталия создает масштабную по замыслу и степени сложности исполнения работу – «Портрет Великой княгини Елизаветы Федоровны» (1997). К этой, невероятно волновавшей ее, теме художница обращалась еще будучи ученицей художественной школы.
При создании этого произведения, Наталия стремится дать наиболее объективную оценку исторического персонажа, чья жизнь и деятельность стала воплощением верности христианскому долгу. Интерес к личности и судьбе Елизаветы Федоровны возник у молодой художницы после прочтения книги А. Солженицына «Красное колесо».
Картина Наталии воссоздает дивный образ преподобномученицы Елисаветы. Холодное небо над Марфо-Мариинской обителью, Москвой, над всей Россией. Снег. Первый снег, как на Покров. И по нему уже протоптана тропинка. Многие из тех, кто вышел из храма Покрова Пресвятой Богородицы уже не вернутся… Деревья за храмом словно в Алапаевске у Ганиной Ямы…

Пошли нам, Господи, терпенье
В годину буйных, мрачных дней
Сносить народное гоненье
И пытки наших палачей.

Дай крепость нам, о Боже правый,
Злодейства ближнего прощать
И крест, тяжёлый и кровавый,
С твоею кротостью встречать…

И у преддверия могилы
Вдохни в уста Твоих рабов
Нечеловеческие силы -
Молиться кротко за врагов! —
«Прости им, Господи, ибо не ведают, что творят…”

Преподобномученица Великая княгиня Елизавета прошла свой крестный путь. Но скольких своим Крестоношением она вдохновила служить Отечеству Небесному и земному. Буйные и мрачные дни проходят, и небо над Россией становится синим, небесно синим…
Служение христианским идеалам – цель творчества верующего человека. И в этом смысле Наталье необычайно близка личность великомученицы Елизаветы, которая, как известно, после убийства мужа, Сергея Александровича, приняла решение полностью посвятить себя благотворительности и основала Марфо-Мариинскую обитель сестер милосердия. Наталья на своей картине изображает великомученицу в белых одеждах на фоне стен храма обители. И здесь портрет приобретает черты исторической картины, поскольку раскрытие внутреннего состояния человека достигается с помощью изображения конкретной исторической обстановки.
Елизавета Федоровна, сестра последней российской императрицы Александры Федоровны, в тяжелейшее для России время добровольно осталась здесь, зная, какая трагическая участь ожидает всех членов царской семьи.
В 1918 году, на третий день Пасхи Великая княгиня Елизавета была арестована и увезена на Урал. В этот день святейший патриарх Тихон посетил обитель и отслужил в ней молебен, это явилось последним напутствием со стороны главы российской православной церкви перед ее крестным путем, трагическим финалом которого было ее жестокое убийство. Елизавета вместе с князьями Сергеем Михайловичем, Владимиром Палей, Константином Константиновичем, Игорем Константиновичем, Иоанном Константиновичем и инокиней Варварой, послушницей Марфо-Мариинской обители, добровольно решившей разделить участь своей Великой матушки, были сброшены в старую шахту близ Алапаевска, где долго и мучительно погибали. И глядя на картину Натальи Кургузовой мы ощутимо улавливаем затаенную тревогу, предчувствие неотвратимой беды. Тот зритель, кому неизвестен крестный путь Елизаветы Федоровны, пытливо всматриваясь в полотно, непременно пожелает узнать о нем, а узнав, приклонит колени перед величием духовного подвига святой мученицы.
В 1991 году княгиня была канонизирована русской православной церковью за границей, под именем преподобномученицы, а в 1992 году – нашей церковью. В саду обители в 1990 году был открыт памятник Елизавете Федоровне, работы В. Клыкова.
Для Наталии «Портрет Великой княгини Елизаветы Федоровны» явился первой серьезной творческой работой, художник уже на самых ранних этапах своего творчества определила для себя ту принципиально высокую планку, придерживаться которой ей с успехом удается и по сей день.
Серьезной оценкой труда и дарования художницы стало участие в 1994 году на выставке работ И.С. Глазунова и его учеников в Манеже.
Выставка состоялась по инициативе Правительства Москвы. Мероприятие имело огромный успех и показало, что заложенные в основу работы Академии принципы опоры на классическую школу русского и западноевропейского реалистического искусства, создание крупномасштабных исторических полотен находят широкий отклик у большинства зрителей и являются весомым вкладом в возрождение духовных сил нашего народа.
Выставку в Манеже в этот раз посетил Президент РФ Борис Николаевич Ельцин. Сперва он молча ходил с Ильей Глазуновым по выставке, не давая никаких комментариев по поводу работ. Но затем внезапно остановился перед картиной Кургузовой: «Это обманка, гипсовый рельеф?», - спросил, он, - «Как точно написаны предметы!», - подойдя к картине ближе, и даже дотронувшись до нее, Ельцин смог убедится, что это действительно была живопись, написанная настолько реалистично, что казалось, будто это рельеф. Над этой гризайлью Наталия работала целый год. Много сил и мастерства было вложено в эту студенческую штудию. В таком подходе к работе проявлялось влияние Глазунова, который приучил их очень серьезно относиться к написанию каждой работы. Преподаватели строго следили за тем, чтобы в обязательном порядке всеми учениками соблюдались этапы написания картины: эскиз, картон, гризайль, и лишь затем только картина переводилась в цвет, это был долгий процесс, но он тренировал мастерство и воспитывал в молодых художниках будущих профессионалов высокого уровня.
В этом же 1994 году Наталия становится членом Международной ассоциации художников при ЮНЕСКО. А в 1998 году художник получает медаль к 850-летию Москвы за вклад в искусство.
В 1997 году Наталия с успехом заканчивает обучение в Академии. Нужно отметить, что немногим даже очень талантливым студентам это удавалось. Учеба предполагала постоянную, невероятно напряженную работу над собой, Академия была своего рода школа жизни, в которой выживает только тот, кто готов отдавать себя профессии полностью.
Своей дипломной работой Наталия выбрала невероятно волновавшую ее тему - «Патриарх Тихон в 1917 году в Москве у памятника Александру II рядом с Храмом Христа Спасителя».
Наступает роковой 1917-й. Февральские события, отречение царя, Временное правительство, толпы пьяных дезертиров на улицах, митинги…
В церкви, как и во всем государстве, разлад. Новый обер-прокурор Синода В.Н. Львов объявил свою персону «центром религиозного и общественного движения», провозгласил, что демократия и социализм ничем не отличаются от христианства, и издал распоряжение следить за архиереями и доносить ему об их настроениях. Шесть архиепископов - и среди них Тихон - выступили с заявлением о несогласии с такой политикой. В отместку Львов сам подобрал новый состав Святейшего синода. Его детище - газета «Московский церковный голос» стала рупором «обновленцев». Прозванные «обнагленцами», они призывали зачеркнуть прошлое Русской православной церкви, снять священникам рясы, проклясть «царизм»…
Когда в древнем Кремле уже сидели комиссары, в храме Христа Спасителя состоялась процедура «Божиего выбора» - жребия, по которому патриархом выпало быть Тихону. Он станет 11-м патриархом в истории России и первым после 200-летнего перерыва. Когда Тихону принесли определение собора, он сказал: «Ваша весть об избрании меня Патриархом является для меня тем свитком, на котором написано «Плач и стон и горе».
На первый советский первомай, прозванный в Москве «иудиной Пасхой» (он пришелся на среду Страстной седмицы), когда редкие колонны демонстрантов шли мимо Никольских ворот Кремля, красное полотнище, заслонявшее икону Николая Чудотворца на воротах, вдруг само собой порвалось и из-под него засиял старинный образ. Некоторые красноармейцы снимали шапки и крестились…
9 мая в день праздника Николая Чудотворца по требованию народа из всех московских церквей был совершен крестный ход к Никольским воротам. Всего собралось около 400 тысяч человек. Накануне многие его участники причащались и готовились к смерти. ЧК в расклеенных объявлениях обещала «стереть с лица земли» всех, кто будет выступать «с речами и действиями против Советской власти». Но вместо речей - пение кающихся, вместо оружия - крестное знамение. Сам Ленин в окружении часовых смотрел с Кремлевской стены на запруженную площадь, быстро и деловито записывая что-то в блокнот…
Существует устный рассказ современника, что, когда Ленин уже лежал в мавзолее, а самому Тихону оставалось недолго до упокоения, кто-то сообщил ему, что в мавзолее прорвало трубы канализации. «По мощам и елей», - кротко констатировал святейший.
Тихон пошел на уступки новой власти и лишь благодаря этому на время утихли «расстрельные процессы над священнослужителями», многих выпустили из тюрем. Но патриарх категорически отказался называться «Патриархом всего СССР». В дальнейшем он с горечью убедился, что предел уступок, требуемых советской властью, лежит за гранью верности Христу. На Тихона охотились, пытались разбить голову дубинкой, ткнули ножом в бок при выходе из храма, по ошибке вместо него застрелили его любимого секретаря и келейника Якова Полозова…
25 марта 1925 года, в день Благовещения Пресвятой Богородицы, уставший от непомерного груза патриарх тихо скончался на б0-м году жизни. Перед смертью он сказал, вздохнув: «Скоро наступит ночь, темная и длинная»…
28 сентября Архиерейский собор Русской православной церкви причислил патриарха Тихона к лику святых.
Работа над эскизами к этой картине «Патриарх Тихон в 1917 году в Москве у памятника Александру II рядом с Храмом Христа Спасителя» была начата Наталией еще на четвертом курсе, тогда как защита дипломов проходит в конце шестого курса. Иными словами, на сбор материала для написания лица и фигуры патриарха, на создание его образа было выделено очень много времени и сил. Подобная работа поглотила художницу полностью. Перед тем как приступить к написанию картины, необходимо было проштудировать многие исторические труды, изучить архивные материалы, и лишь потом, осмыслив весь этот материал, дать свою интерпретацию события, выразить доступным живописи языком свое особое отношение к личности патриарха Тихона.
Наталии в подборе материала для картины невероятно помогал отец Владимир Александрович. Он сделал множество фотографий различных людей, чтобы подобрать наиболее подходящий образ для героя будущей картины. А муж художницы, Константин Мирошник, чтобы уловить, как развиваются на ветру складки одежд патриарха, в рясе священника забирался в грозу на крышу многоэтажного дома, только так удалось запечатлеть удивительно красивую пластику складок. Главная задача, которую поставила перед собой Наталия – воплотить в живописи дух трудных для России лет, передать образ времени. Это получилось благодаря сочетанию двух жанров: исторического и портретного.
Картина выполнена в лучших традициях русской портретной школы, это, главным образом, проявляется в том, что автор делает акцент на глубокой психологической характеристике святейшего патриарха Тихона, прославленного русской православной церковью.
Размеры полотна адекватны масштабу творческого замысла – выразить великую скорбь и силу духа святейшего перед лицом трагедии русского народа, решимость и твердость в вере. Сжатый кулак – это аллегория воли, собранная в кулак. Грозовое небо, порыв ветра, развевающего одежды патриарха, усиливают ощущение трагичности происходящих событий.
Тихон написан в рост фронтально. Он раскрыт навстречу страшному миру, бурлящему внизу и вдали толпами с кумачовыми лозунгами.
Наталья помещает на картине фрагмент Храма Христа Спасителя, который является символом духовной опоры патриарха. Контрастность в колорите картины подчеркивает огромное напряжение душевных сил патриарха Тихона в поворотный, тяжелый для России момент истории.
По окончании Академии, Наталия и Константин были вынуждены, как и все остальные студенты, покинуть общежитие. Ни квартиры, ни родственников в Москве у них не было, жить было негде…
Константин устроился на работу в детский сад – сторожем. Руководство учреждения выделило художникам маленькую комнатушку в здании детского сада, которая одновременно была и их домом и мастерской.
В 1997 году, сразу после защиты дипломной работы, Наталия начала преподавать на кафедре Архитектуры.
Художница страстно мечтала продолжить совершенствовать свое мастерство. Но Наташе и Косте пришлось столкнуться с рядом трудностей - обучение в аспирантуре стоило очень дорого, на тот момент не было возможности найти такие средства. Художникам помог случай, благодаря которому Наталии удалось устроиться в аспирантуру. Батюшка, венчавший Наталию и Константина, и знавший об их мытарствах, передал молодым супругам записанный на листке бумаги телефон. Художники позвонило по указанному в записке номеру. Им поступило предложение написать портрет. В результате этой совместной и плодотворной работы был создан один из самых красивых, творческих и душевных портретов – «Русская красавица» (2000). Художники очень трепетно относятся к этой картине, любят брать ее на выставки, поскольку «Русская красавица» является достойным украшением любой экспозиции. В портрете мы можем наблюдать изобретательность при решении композиционного построения. Здесь мы видим столь любимое художниками взаимопроникновение жанров. Наличие пейзажа значительно обогащает психологическую характеристику модели. На картине изображена почти фольклорная, до боли узнаваемая русская зима, воспетая поэтами.
Внимание привлекает броская нарядность богатой по колористке павлово-поссадкой шали. Художники виртуозно передают фактурное разнообразие материалов – пушистость меха, гладкость мрамора, прозрачную хрупкость белых роз, которые молодая женщина держит в руках.
Помимо мастерства композиционного построения, для портрета характерна также выразительность жеста – изящное, тонкое, благородное движение руки, через которое напрямую передается внутреннее состояние героини.
Это произведение, как и многие другие картины, было написано Наталией и Константином вместе.
Говорят, что диплом является первой творческой и последней студенческой работой. Творческие картины писать очень сложно. Это серьезный труд, который требует ощутимых интеллектуальных и временных затрат. Большинство художников после окончания института волнуют насущные трудности, они сталкиваются с проблемой отсутствия жилья и денег, с конкуренцией, теперь главное для них – выжить. Нет, как во времена студенчества, возможностей для длительной работы над какой-либо одной картиной. Поэтому для некоторых художников дипломная работа становится апогеем их творческого развития.
Трудно написать первую творческую картину, но еще сложнее создать второе произведение, чтобы оно было лучше, чем первое, поскольку задана уже определенная высокая планка, ниже которой нельзя опускаться. А потом, каждой новой серьезной работой мастер должен демонстрировать развитие своего искусства.
Для Наталии Кургузовой следующим значительным произведением становится конный парадный портрет «Князь Владимир Мономах» (2000), созданный в соавторстве с мужем Константином Мирошником. В написании картины своими профессиональными советами Наталии также помогала руководитель и любимый преподаватель художницы Лейла Самиуловна Хасьянова. Эта удивительная женщина и талантливый художник, уже много лет работает деканом факультета живописи в Академии и успела вырастить, воспитать не один десяток молодых мастеров. Наталия Кургузова-Мирошник и Константин Мирошник вспоминают, что Лейла Самиуловна всегда помогала своим питомцам, для каждого находила доброе слово, поддерживала в трудную минуту.
Картина «Князь Владимир Мономах» написана на огромном холсте высотой 3,5 метра без рамы, выполнить работу на такой масштабной плоскости тяжело даже чисто механически, особенно для хрупкой девушки. Многие из коллег не ожидали от Наталии такой серьезной картины.
Героем исторического портрета-картины Наталии Кургузовой становится Великий Князь Владимир Всеволодович Мономах, который прославился и бранными подвигами за отечество (сумел прекратить княжеские междоусобицы и объединить 3/4 древнерусского государства), и своим добрым нравом. Это подтверждает его завещание детям, отразившее лучшие черты русского Князя: «Не бегал я для сохранения живота своего, не щадил головы своей… Дети! Не бойтесь ни рати, ни зверя, делайте мужское дело, ничто не может нам вредить, если Бог не позволит; а от Бога будет смерть, так ни отец, ни братья, не отнимут; Божье блюденье лучше человеческого».
Владимир Мономах в нашей истории человек-эпоха, человек-символ величия Древней Руси, её державной мощи. Потому и венчались наши Государи на царство его шапкой - Шапкой Мономаха. Царём Владимир Мономах никогда не был, а Великим Князем Киевским стал только в 60 лет. Но главой русского семейства стал он гораздо раньше и по своим деяниям и по своему нравственному авторитету.
Как показывает история, без «иностранных инвестиций» экономика Руси быстро пошла в гору. Богатели крестьяне, развивалась национальная внутренняя и внешняя торговля, так как в уставе Мономаха давались льготы русским купцам, потерявшим товары при кораблекрушении, на войне или при пожаре. Успешно развивались торговые и дипломатические отношения с Византией и Западной Европой. На княжеском дворе Владимир Мономах сам вершил суд, где каждый из его подданных мог найти у князя справедливое решение своего дела.
Время правления Русской Землёй Владимиром Мономахом было одним из самых благополучных в истории Древней Руси. Князь крепко держал государство в своих руках, русские богатыри охраняли его границы. Верными помощниками отцу были сыновья.
До семидесяти лет Мономах сам возглавлял русские войска, водил их в походы. До последнего дня все свои могучие духовные силы он отдавал объединению Руси, держанию мира внутри государства и защите его от внешних врагов.
По преданию, из Царьграда дед Владимира по матери, Византийский император Константин Мономах, прислал ему царский венец (знаменитую Шапку Мономаха) и царские бармы (оплечья). Копия Шапки Мономаха, сделанная предположительно в XIV веке, хранится ныне в Оружейной палате Московского Кремля
На своем полотне Наталия Кургузова запечатлела конкретный исторический момент, когда, весной 1113 года, ответив согласием на призыв горожан Киева после смерти князя Святополка Изяславича, Владимир Мономах подъезжает к золотым воротам Киева.
Художница долго не могла найти человека, с которого можно было бы написать портрет Владимира Мономаха. Но, увидев по телевизору интервью с Борисом Хмельницким, в момент поняла, что это тот самый княжеский образ, который она так долго искала. В тот же день Наталия договорилась с известным артистом о первом сеансе позирования.
Наталия посвятила много месяцев изучению темы будущей картины. Советовалась с известным костюмером с мосфильма Лидией Нови, работала в историческом музее, где хранители для нее открывали сундуки со старинными тканями, буквально рассыпающимися в руках. Все это было необходимо для того, чтобы с исторической точностью воссоздать образ князя, расцветку и орнамент древних тканей. Собирая информацию о том, какая лошадь могла быть у Мономаха, Наталия даже ездила в Тимирязевскую Академию. Выяснилось, что это был беспородный, приземистый, но очень выносливый конь – княжеское обмундирование было слишком тяжелым, и только животное с такими физическими характеристиками могло выносить длительные переезды.
В картине художник блестяще справляется с композиционным замыслом распределения и уравновешивания массы объемов в пространстве.
Главный акцент – на фигуре всадника, взгляд которого немного обращен к зрителю. Мощь и сила князя-воина чувствуется благодаря ракурсу изображения. Движение слегка замедляется, но лишь на мгновение, и ход истории продолжается.
Опора князя – воины с хоругвью – русское войско, сопровождавшее Владимира Мономаха в походах на Византию, на половцев. Исторический момент этот еще важен и потому, что Владимир Мономах идет на княжение в Киев – «мать городов русских». Цветовые акценты рождают ощущение приподнятости, особой значимости происходящего.
Достоверность исторической обстановки: одежда, вооружение, хоругвь, архитектурные детали, элементы городских укреплений свидетельствуют о большой предварительной работе перед написанием полотна. Желание показать важность исторического момента, создать убедительный образ князя, обращение к данному периоду русской истории говорят о стремлении Наталии осмыслить события дней сегодняшних, когда идеи посвященного правителя, объединения, защиты Отечества, осмысление непреходящих ценностей русской культуры требуют скорейшего воплощения.
После успешного завершения аспирантуры, молодые художники Наталия и Константин начинают активно участвовать в выставках.
В какой бы город не приезжали художники, картина «Князь Владимир Мономах» оставляла у зрителей яркие впечатления и являлась жемчужиной любой экспозиции.
Когда картина вновь оказалась в Москве, художникам пришлось столкнуться с проблемой размещения этого гигантского по размерам полотна. Свою помощь предложил Игорь Терноградский, известный галерист, коллекционер и любитель искусства. И полотно на некоторое время было размещено в галерее «Мир искусства» на Остоженке.
Позже, при содействии Александра Поченка, картина «Князь Владимир Мономах» была преподнесена на пятидесятилетие президенту РФ Владимиру Владимировичу Путину, и обрела свое место в Кремле. Это событие явилось серьезным признанием таланта художников.

«Я ИГРАЮ, СЛЕЗ НЕ ЗНАЮ…».
КОНСТАНТИН

«Я не думал никогда, что стану художником. Мне и сейчас кажется, что этот выбор сделала за меня судьба, я не стремился к этому с детства, так получилось, так Бог распорядился» - такой ответ дает художник Константин Мирошник, когда ему задают вопрос о том, как он пришел в профессию. Но, мы позволим себе не поверить мастеру, поскольку вся его жизнь всегда была насквозь пронизана творчеством. Помимо профессионального занятия живописью, Константин пишет песни, записывает музыкальные альбомы, с детства играет на гитаре. И все это у него получается легко и весело, как в известной песне:

Дум высоких, одиноких
Непонятны мне слова
Я играю, слез не знаю,
Мне все в жизни – трын-трава.

Костя родился в Симферополе 14 июня 1971 года в семье военных. Отец художника Вячеслав Владимирович служил капитаном железнодорожных войск. Семье приходилось часто переезжать с места на место. Новые впечатления, безусловно, пробуждали интерес к окружающему миру, что впоследствии переросло в желание выражать в творчестве свои мысли и настроение. Детство было наполнено постоянно меняющимися яркими красками и ощущениями, когда в обыденном и привычном вдруг виделось то, что удивляло: ливень прошел и старый намокший забор поменял цвет, а через минуту ослепительно, словно жемчуг, заблестели на листьях капли дождя. Впечатлительному и юному Косте невозможно было не взять в руки карандаш и кисть, хотя тогда еще никто не догадывался, что его ждет судьба художника. На тот момент в поле интереса мальчика были футбол и гитара.
Родители возили Костю по всей стране: Сибирь, Забайкалье, Урал, Крым, Волга, но нигде семья не задерживалась более чем на два года. К 16 годам мальчик успел сменить восемь школ.
Учебу Константин закончил в городе Горьком, в школе расположенной недалеко от воинской части, где служил в то время отец.
Посоветовавшись с родителями, Костя решил поступать в педагогическое училище. Отец и мать одобрили выбор сына, считая, что учитель это нужная и интересная профессия.
В это время Вячеслав Владимирович, Костин папа, увольнялся из армии, и в планы семьи входило возвращение на родину в Симферополь.
Мама – Наталья Петровна - посоветовала будущему художнику поступать в педагогическое училище, расположенное в старинном и удивительно красивом городке Юрьеве-Польском, недалеко от Владимира, на специальность преподавателя черчения, рисования и физкультуры. К этому времени экзамены уже закончились, но в связи с тем, что многих абитуриентов отсеяли и был недобор, Наталье Петровне удалось договориться о дополнительных экзаменах для сына.
Константин вспоминает, что тогда ему задали вопрос, умеет ли он рисовать, мальчик пожал плечами и ответил: «Не знаю, не пробовал». Экзамены были успешно выдержаны и Костю зачислили в училище.
Художник с благодарностью вспоминает своих учителей, замечательных и самобытных мастеров, умеющих полностью отдавать себя творчеству и преподавательской деятельности: Наталью Модестовну Ермилову, Михаила Владимировича Коробченко, Юрия Александровича Борисова.
Константину приходилось постигать искусство живописи с нуля – не было ни подготовки, ни практики. Вместе со своими однокурсниками он снял в Юрьеве-Польском квартиру, возвращаясь в которую после учебы, ребята тренировались писать портреты, служа моделями друг для друга.
Учителя были в меру строги по отношению к своим питомцам, они не думали о том, что кто-то из них станет известным художником, поскольку готовили наставников для школы.
Через четыре года Константин с отличием закончил училище. Сейчас художник, вспоминая студенческие годы, любит шутить, что за четыре года обучения в училище он открыл в себе талант, что умеет рисовать быстро, и дальше добавляет: «лучше быстро и плохо, чем медленно и плохо». Костя намекает на то, что училище – это самый первый его шаг в искусстве.
После защиты дипломной работы, Константин Мирошник, как лучший выпускник, был отправлен с рекомендациями на поступление во Владимирский педагогический институт. Вместе с ним пробовать свои силы в качестве абитуриента поехал однокурсник - Сергей Шкарёв, которому ребята дали прозвище «Дед» - юноша был самым взрослым в их группе.
На вступительном экзамене по живописи было дано задание написать акварелью натюрморт. Сергей и Костя были единственными из абитуриентов, кому комиссия выставила самые высшие балы – пятерки. Леонов и Изотов, талантливые владимирские художники, ведущие преподаватели института, уже видели в мальчиках своих будущих студентов. Но Костя не смог выдержать экзамен по литературе, за сочинение он получает двойку.
Перед экзаменом, Константин попросил искусствоведов из института помочь ему с материалом для подготовки к сочинению, чтобы он «непременно получил пятерку или, в крайнем случае, четверку». Искусствоведы проявили участие и дали художнику сочинение, написанное на двух страницах неразборчивым почерком. Костя заучил этот текст, и на экзамене без труда воссоздал его по памяти. Но, как признается художник, в то время он еще не слышал о писателе Владимире Набокове, а в переданных ему листах буквы были написаны неясно. Поэтому на протяжении всего сочинения Костя писал фамилию классика с ошибкой: «Напоков». Автор упоминался в тексте несколько раз, соответственно грамматических ошибок оказалось много.
Художник Леонов, видя в Константине Мирошнике талант и большой творческий потенциал, много сделал для того, чтобы помочь молодому мастеру продолжить обучение живописи во Владимирском институте, но, в силу разных обстоятельств, он оказался бессилен, набор в учебное заведение был завершен и Костя не поступил.
Сейчас художник говорит об этих происшествиях, как о судьбоносных, планомерно ведущих его к давней мечте – поступлению в Академию и возможности заниматься живописью профессионально, полностью посвящая себя искусству.
По прошествии нескольких дней Костя уже сидел на железнодорожном вокзале в ожидании поезда и сочинял песню «Старый вокзал»:

Старый вокзал греет мне душу
Расскажет мне про любовь.
Стук колес я долго буду слушать
Пока не позовет пирон.

Там северный путь мой, северный дождь ждет.
Ветер начнет отсчет, парус ведя за собой.

И когда взойдет твоя луна, и на сны похожи будут облака,
Будет ясно это дом не твой
Скажешь тихо ветру: Я хочу домой.

Художник ехал к бабушке на Украину работать учителем рисования в деревенской школе, и одновременно готовиться к поступлению в Академию Ильи Глазунова.
Мирошник с ностальгией вспоминает свою работу в школе. С восторгом отзывается о коллективе. Все учителя были молодыми, энергичными людьми, приехавшими из разных уголков страны, чтобы преподавать в маленькой украинской деревеньке.
Константин знал, что в Академию принимают художников с очень высоким уровнем подготовки, поэтому необходимо было найти преподавателя, который смог бы помочь ему приобрести недостающие навыки.
В Симферополе Костя и его мама Наталья Петровна долго искали специалиста, который смог бы стать для юноши учителем по живописи. И в Симферопольском художественном музее им дали телефон Алексея Николаевича Горохова – выдающегося копииста. Это был удивительный человек, добрый, веселый, отзывчивый. Алексея Горохова интересовало и увлекало многое. Он был не только замечательным живописцем, но и талантливым изобретателем, и виноделом. Алексей Николаевич познакомил Костю со многими знаменитыми современными мастерами, которые жили или бывали в Симферополе.
В Симферопольском художественном музее они начинаю копировать полотна Айвазовского. Копирование необычайно важно для художников. Подобная практика входила изначально в учебные программы всех лучших европейских и отечественных школ живописи, она дает мастеру блестящую профессиональную грамоту. Копирование это не механическое повторение оригинала, а освоение приемов построения формы и законов композиции. Копируя, художник осваивает технические навыки, которые дают впоследствии ощущение полной свободы в воплощении своих творческих замыслов. Суть именно такого подхода к копированию емко и образно выразил А.С. Пушкин в словах, сказанных по поводу Карла Брюллова: «Брюллов, усыпляя нарочно свою творческую силу, с пламенным и благородным подобострастием списывал «Афинскую школу» Рафаэля. А между тем в голове его уже шаталась поколебленная Помпея».
Целый год Мирошник совмещал работу в школе с активной подготовкой к поступлению в Академию.
В мае, заранее выставив ученикам годовые оценки, Костя берет свою гитару, этюдник и вместе с Алексеем Николаевичем Гороховым они отправляются в Алушту, где продолжают работать целое лето. В Алуште их принял у себя искусствовед Виктор Ефимович Рудаков. Константин с восторгом вспоминает, что дома у него была потрясающая коллекция живописи, оригиналы кисти великих русских художников: небольшой этюд Врубеля, полотно Богаевского, акварельный этюд Шишкина, картина «Бахчисарай» Куприна.
Виктор Рудаков от всей души помогал молодому художнику в подготовке к поступлению в Академию, и часто говорил, что если Костя станет учеником Глазунова, то это будет их общей победой.
Узнав о том, что в Академии, помимо факультета живописи есть еще факультет реставрации и архитектуры, Рудаков и Горохов, посоветовали Косте дополнительно сделать копию иконы и архитектурный чертеж здания.
Осенью Константин поехал в Москву поступать в Академию, его сопровождала мама, которая очень переживала за сына, и понимала, что ему важна будет поддержка близкого человека.
На экзамены Мирошник взял с собой два чемодана, полностью заполненных картинами.
Поскольку своего постоянного помещения у Академии на тот момент не было, экзамены проходили в недействующем храме, расположенном на улице Маросейке. Церковь была посвящена святым бессеребреникам Косме и Дамиану, или как часто говорят у нас Кузьме-Демьяну. Символично, что будущих студентов принимали в храме, посвященном именно этим святым, поскольку наши предки молились Косме и Дамиану о прозрении разума к учению грамоте.
Костя был у входа в старую церковь, раньше всех – в 4 часа утра. Очень скоро за ним выстроилась длинная, почти на километр, очередь из абитуриентов. Костя зашел первым, разложил 600 своих работ, чем невероятно поразил комиссию. Илья Глазунов посмотрел работы Мирошника, задал ему несколько вопросов и, оставшись довольным ответами, допустил до следующего этапа, который должен был состояться через неделю. На это время Константин с матерью отправились в монастырь в Оптину Пустынь, где жили и помогали монахам по хозяйству.
Через семь дней проводилась повторная развеска картин абитуриентов, комиссия вновь смотрела работы.
Когда экзамены закончились, Константину предложили стать студентом факультета архитектуры, приемная комиссия отметила его архитектурный чертеж.
Но молодой художник мечтал учиться в мастерской живописи, поэтому, числясь на архитектурном отделении, постоянно приносил и показывал свои новые работы ректору Илье Глазунову, чтобы добиться перевода.
Старания и усердие в работе не прошли для Мирошника даром, уже через полгода он был переведен на факультет живописи. Случилось это после практики в Петербурге, когда комиссия во главе с Ильей Глазуновым признала студенческие работы Кости лучшими.
Но уже на ближайшем просмотре Константина чуть было не отчислили из Академии. На просмотре он выставил натюрморт с маской Петра I – «Гимн Петру I». В произведении сказалось желание мастера выразить свой интерес к бурной и противоречивой эпохе петровского времени, умение показать органическую связь между ставшими ныне уже музейными экспонатами атрибутами прошедшей истории. За каждым из них – судьбы людей и страны, сражения, подвиги, переломные моменты истории России времен ее первого императора. Над этой картиной Костя долго и усердно работал, обдумывал каждую деталь, каждый нюанс, но преподаватели не приняли эту работу. Мирошнику поставили две двойки и тройку, которая в итоге явилась для него спасительной, поскольку студенты, получившие по три двойки, в тот же день были отчислены. Этот случай дал Константину понять, что ему еще очень многому необходимо научиться.
Костя вспоминает, что одними из самых ярких впечатлений об учебе в Академии были месяцы, проведенные на практике в Питере. Художник рассказывает, что любимой дисциплиной в то время являлось для него копирование. Занятия по копированию проходили в Эрмитаже, куда студентов пускали за два часа до открытия. Однажды, закончив работу над копией полотна кисти Рембрандта, Костя выносил из Эрмитажа свою картину, но на выходе охранники его внезапно остановили, поднялся скандал, сбежались работники музея и произведение у художника отобрали. Как выяснилось позже, копия, написанная Костей, была настолько точной, что сотрудники Эрмитажа решили, что какой-то злоумышленник выносит из музея оригинал полотна великого мастера.
С практикой в Петербурге связано множество забавных и казусных случаев. Один из них произошел во время экскурсии в Царскосельский лицей, когда шутка Ильи Глазунова обернулась довольно смешным происшествием. Илья Сергеевич со студентами зашли в зал, в котором 19 октября 1811 года состоялось торжественное открытие Лицея, все ощутили величие представших перед их глазами исторических интерьеров, возможно, кому-то из учеников вспомнились известные пушкинские строки:

Друзья мои, прекрасен наш союз!
Он как душа неразделим и вечен –
Неколебим, свободен и беспечен…

В этой торжественной обстановке, Илья Глазунов, всегда требовавший от своих учеников инициативы и самостоятельности в творчестве, произнес с укором: «Почему никому не пришло в голову написать картину, посвященную великому русскому поэту, например: «Пушкин сдает экзамены в лицее» - отличная тема, хорошая получится картина, любой ее у вас купит за большие деньги! Такая картина миллион долларов стоить будет! А вы ничего не делаете…».
С деньгами у студентов было трудно. Поэтому некоторые решили, что возможно совет Ильи Сергеевича действительно поможет им исправить материальное положение.
Затем все вместе отправились в Знаменскую церковь, построенную в первой половине XIX века по проекту архитектора И. Бланка. В храме, некоторые ребята начали советоваться с Глазуновым, какие книги почитать, как подойти к теме, чтобы наверняка вышло удачное произведение. Илья Сергеевич тут же порекомендовал проштудировать книгу, посвященную жизни великого поэта, которая продавалась тут же в соседнем ларьке, цена фолианта оказалась для студентов непосильной, поэтому дорогое издание так и осталось ждать другого покупателя.
Вернувшись в Москву, все художники, чтобы реабилитировать себя перед ректором, решили обратиться к теме Пушкина…
И уже через несколько недель напряженной творческой работы, один из наиболее предприимчивых студентов вышел на перрон Московского вокзала в Петербурге, держа в руках свой будущий первый миллион долларов - картину «Пушкин в Царском селе». Художник был почти уверен, что шедевр купят «прямо с вокзала», но этого не произошло. Картину удалось благополучно довести до Царскосельского лицея. Сотрудники мемориального музея встретили находчивого художника с недоумением, хотя и предложили поместить полотно в интерьерах лицея, где оно и провисело четыре года, пока мастер не забрал его обратно в Москву.
Во время своей учебы, в 1994 году Константин Мирошник принимал участие в выставке работ И.С. Глазунова в Манеже, а уже в 1995 году состоялась персональная выставка мастера в городе Юриеве-Польском, ставшем за время учебы в училище родным. В экспозиции было представлено более ста картин, которые вызвали восхищенные и благодарные отзывы зрителей.
В 1997 году Константин заканчивает Академию, его дипломная Работа «Старые книги» была признана лучшей на курсе. Руководитель портретной мастерской – профессор Хасьянова Лейла Самиуловна.
Созданию полотна предшествовала поездка Константина в Троице-Сергиеву лавру, чтобы у гробницы преподобного Сергия в горячей молитве попросить благословение на создание нового произведения. Костя совершил это путешествие, чтобы припасть к мощам великого молитвенника, испрашивая себе благословения и помощи. Многие говорят, что в этом священном месте в душу снисходит глубокий внутренний мир и спокойная решимость.
В Троице-Сергиевой лавре молодому художнику удалось в очередной раз увидеть столь любимые им места, которые некогда были покрыты дремучим лесом и являлись свидетелями уединенных молитвенных подвигов преподобного Сергия. Здесь душу Кости вновь охватило неизъяснимое чувство умиления.
Затем Костя направился в столь любимую им Оптину Пустынь, которая приютила его с матерью, когда молодой художник поступал в Академию.
Образ молодого монаха в картине «Старые книги» полон глубокой сосредоточенности и отрешенности. Он погружен в чтение старых книг и для него это становится моментом откровения, приобщения к Вечной истине.
На картине коленопреклоненная поза послушника, благоговейность жеста рук, одухотворенность его облика дают нам понять, как трепетна и искренна радость юноши, какое необычное волнение охватило его.
Свет, проникающий из высокого оконца, мягко падает на лицо монаха, на страницы раскрытых книг, вспыхивает на красно-золотистой ткани.
Трактовка темы духовного искания, нравственного становления человека в картине предполагает тонкий психологизм, определенную конкретизацию обстановки, искренность чувств и переживаний самого творца. Время словно замерло на мгновение, чтобы затем вновь продолжить ход. Художник воплощает свой эстетический идеал, руководствуясь христианскими представлениями о прекрасном, которое и есть высшее воплощение добра, и в понятии православного человека – действенного добра. Послушник полон внутреннего света в своем стремлении к познанию Бога.
В картине образ книги приобретает необычайно глубокое значение. Книга, особенно духовного содержания, всегда была главным, а иногда и единственным утешением для голодных и измученных, служила некоей духовной компенсацией в трудные периоды жизни, истории. Книга, говоря словами известного поэта, исправляла «боль на музыку» и всегда утверждала самоценность человеческой личности как Божеского создания, более важного, чем все государственные законоположения и формы устройства.
В книгах сосредоточена вся мудрость и вся философия жизни. Книга – это неотъемлемая составляющая культуры, создающей то, что мы называем нашим духовным миром. Духовный мир - высшая форма жизни, благодаря которой люди отходят от того, что, в сущности, является первобытным восстановлением физических сил. Если люди занимаются лишь тем, что, поглощая продукты, работают, чтобы эти продукты произвести - это круговорот первобытного человека. К сожалению, многие сейчас, по сути, так и живут. Лишь единицы выходят из этого круга, создавая в ходе своей жизни что-то поистине существенное. А люди, приобщившиеся к ним, узнают, что есть высшие формы жизни, а узнав, становятся счастливыми - как собственно люди. И в этом приобщении важную роль играет именно книга, она – главный проводник. И действительно, пожалуй, ни одна сфера нашей духовной жизни не сравнится с тем, что может дать литература – духовная, художественная, историческая.
Книга учит распознавать величие человеческого бытия. Она неразрывно связана с культурой, нашим социальным обликом, каким бы он ни был - печальным или вселяющим оптимизм.
Жанровое разнообразие живописи художника исходит от жизненной позиции самого художника, который считает, что нельзя замыкаться в себе, на своих сугубо личных переживаниях, нужно постоянно стремиться к нравственному совершенству, к божественной гармонии. Поэтому для Константина Мирошника обращение к евангельским сюжетам, или сюжетам глубоко религиозного содержания является не случайным.
Еще одним серьезным этапом в творчестве Константина является создание картины «Броненосец Потемкин» (1998). Это полотно посвящено трагическим событиям русско-японской войны. Эта героическая страница в истории русского флота была перевернута утром 15 мая 1905 года.
Атмосфера морского боя передается художником с чувством восхищения и гордости. Вспышки от взрывов снарядов ярко выделяются на фоне чернеющей зыби. Контрастность в колорите усиливает ощущение смертельной опасности, нависшей над моряками. Правда, войны не сводятся Константином Мирошником к обнаженному натурализму, что вполне в традициях русского батального жанра: перед нами не бесстрастная хроника, а переживаемая всей душей тяжелая минута гибели русского корабля.
Со временем Наталья и Константин покидают приютивший их детский садик и перебираются жить в Люберцы. Так маленькая квартирка на первом этаже становится их новым домом и новой мастерской. Художники рассказывают, что жилище было маленьким, сырым и неудобным, они называли его в шутку подвалом. В квартире водились мыши, от которых невозможно было избавиться - никакие способы не помогали, доходило до того, что Костя ловил их за хвост и выбрасывал в окно.
Именно здесь в Люберцах художники знакомятся с Александром Барыкиным. Однажды утром, стоя у открытого окна, Мирошник увидел проходящего мимо человека в шляпе, надвинутой на глаза и с собакой на поводке. Костя сразу узнал известного композитора, поскольку давно любил его творчество. Художник вышел на улицу, окликнул Барыкина, и через пятнадцать минут они сидели в доме у Мирошников и разговаривали за чашкой чая, словно старые друзья.
Так началось их знакомство. С этого дня Барыкин почти каждый день в 8 часов утра стучался в окно квартиры Наталии и Константина, и потом, сидя у них на диване, писал песни, брал уроки живописи. Благодаря беседам друзей рождались новые темы для картин, новые музыкальные композиции.
Дружба, связывающая композитора и художника, оказалась взаимообогащающей и плодотворной. Александр Барыкин увлекся изобразительным творчеством, начал создавать картины. А Константин, давно и серьезно занимавшийся музыкой, благодаря продюсерскому центру А. Барыкина выпустил компакт-диск с записью своих песен.
Наталия и Константин - необычные художники. Все свои картины они создают в соавторстве. Художники признаются, что совместная работа для них и интересна и плодотворна. Когда двое творческих людей постоянно вовлечены в процесс, нет опасности, что кто-то выдохнется на половине пути, остынет к теме, поскольку, как говорят живописцы: «соавторство – это постоянный диалог, иногда спор, поиск новых решений поставленных живописных задач, это по определению не может быть скучным».
Константин и Наталия с успехом участвуют в большом количестве выставок, о них печатают статьи, репродукции работ художников публикуются во многих каталогах, издательство «Белый город» выпустило в свет монографию, посвященную творчеству молодых мастеров.
Невероятный успех имели выставки, прошедшие в 2002 году на Волжском автозаводе и во Дворце культуры и техники ОАО «АВТОВАЗ».
Наталия и Константин продемонстрировали зрителям более семидесяти работ. В экспозицию попали все самые лучшие произведения авторов - картины на религиозно-историческую тематику, пейзажи, портреты, натюрморты.
На эту первую крупную выставку художники привезли свои монументальные полотна с изображением Владимира Мономаха, патриарха Тихона, пейзажи с красотами русской природы, церквями. Все эти вещи несут в себе идею объединения Руси, возвращения к духовным истокам. Экспозиция прекрасно демонстрировала творческое кредо авторов: «стремиться к возрождению русской реалистической живописи, воспевать в красках историю и культуру русского народа». Именно во время этой выставки молодые художники включили в свои творческие планы создание серии картин, посвященных волжским просторам. И это не удивительно, поскольку Волга всегда вдохновляла мастеров кисти: во второй половине XIX века здесь работали художники-передвижники Илья Репин, Василий Суриков, Иван Шишкин, Исаак Левитан и многие другие.
Один из посетителей оставил в книге отзывов следующие слова: «В здании АВТОВАЗа часто проходят выставки, но ничего подобного мне видеть ранее не приходилось. До глубины души радостно и приятно созерцать результат работы людей поистине высокого таланта, таланта от Бога, которые, невзирая на наше смутное и конъюнктурное время продолжают говорить о красоте, о возвышенных чувствах. В этих картинах я увидел все, что способно взволновать сердце русского человека, увидел Родину».
Одна за другой проходят выставки в Самаре, Новокуйбышевске, в Московской Государственной Думе.
Интересный случай произошел во время пребывания художников в Дубаи (ОАЭ). В течение всего отдыха Наталия и Константин, неизменно в шесть часов утра отправлялись на этюды, трудились практически в течение всего дня, таким образом, по прошествии двадцати дней им удалось написать более пятидесяти работ. Руководство гостиницы, в которой жили художники, увидев их удивительные произведения, предложило организовать выставку. Мастера с радостью согласились. Успех превзошел все оживания, Наталию и Константина буквально умоляли остаться в стране, обещали предоставить все условия и возможности, для того, чтобы художники работали в Дубаи.
Настоящим событием в культурной жизни столицы стала прошедшая в 2007 году в «Новом Манеже» персональная выставка Константина и Наталии - «Высокий реализм». Мероприятие это состоялось, во многом благодаря помощи депутата Государственной Думы Константина Затулина, лично направившего запрос в Министерство культуры.
В организации выставки Мирошникам помогали и друзья, и знакомые, и поклонники таланта художников, друг семьи, поэт и почитатель искусства Иван Иванович Переверзин помог оформить многие работы в рамы.
Молодые художники всегда говорят: «Самая большая награда для мастера – это внимание, обращенное к его произведениям». И выставка в «Новом Манеже» продемонстрировала внимание искушенной московской публики к искусству Мирошников. Книги отзывов являются свидетельством того, что зрители не только признали высокий профессионализм и бесспорный талант Наталии и Константина, но и искренне полюбили творчество молодых мастеров.

ЖИВОПИСНЫЙ ГИМН ПРИРОДЕ

Константин и Наталия – художники необычайно высокого таланта, ищущие, беспрестанно совершенствующиеся, несмотря на молодость уже успевшие стать классиками в своем формате. Их творческая мысль близка и понятна современному человеку, их искусство способно не только дарить зрителю прекрасные эмоции, но и с успехом служить воспитанию любви к родной земле. Сегодня они вписывают в историю отечественного изобразительного искусства новую сокровенную, исполненную поэтического видения мира страницу, создают живописный гимн природе России.
Особенности пейзажного искусства художников с достаточной полнотой раскрываются в картине «Дом в деревне Медведево» 1999 года. Это произведение вызывает особый интерес, поскольку в нем близкие мастерам мотивы среднерусской природы получили строгую, почти эпическую трактовку.

Опять мне снится по ночам
Дорога через сад.
Деревья старые скрипят
И сучьями стучат.
Опять я вижу по ночам
Пустой угрюмый дом.
Вороны грузные кричат,
Сбивая снег крылом…
(Г. Фролов)

Стены старого дома – «свидетеля судеб человеческих» хранят отзвуки былой жизни. Но сейчас он покинут и пуст, время остановилось для него, высокие окна напоены темнотой, наличники припорошены снегом. Созерцательность и образность в пейзаже уживаются вместе, и дом, словно живое существо обращается к нам с немым вопросом. Мы настолько сильно чувствуем его заброшенность и одиночество, как будто речь идет о покинутой всеми человеческой душе.
Немного грустное настроение безлюдного деревенского пейзажа определяется особым ритмом жизни русской окраины, где в тишине доживают свой век старые родовые гнезда. Глядя на эти деревянные, исполненные особого застенчивого благородства, постройки в наших сердцах неизменно начинает звучать сладостная и щемящая ностальгия, мотивы сожаления о былых временах, воспоминания о детстве, об отце и матери, о родных местах. Наталия и Константин сумели перенести на холст свое восхищение размеренным укладом деревенской жизни. В этой картине они спели гимн неповторимости российской провинции.
Интересным отличием живописи Мирошников является сочетание на одном полотне сразу двух жанров - пейзажа и портрета. Пример подобной комбинации - картина «Июль. Наташа», выполненная Константином Мирошником в 2007 году. Полотно, изображающее супругу художника Наталию на фоне летнего леса, исполнено созерцательного лиризма и поэтизации окружающего мира. Тонкое владение пленэрной живописью помогло мастеру объединить звучные красочные пятна изящной женской фигуры с мягкими сдержанными красками пейзажа, передать поэзию тихого летнего дня, гармоническую связь человека с природой. Пейзаж полон ощущения свежести и непосредственности восприятия текучей, подвижной жизни природы.
Пейзаж «Святая гора Афон» (2001 год, Константин Мирошник, Наталия Кургузова-Мирошник) исполнен величественного образа святого места. Главным в картине становится эмоциональное восприятие и философское осмысление жизни каждого человека в отдельности. Пейзаж побуждает нас обратиться к своей душе и найти в ней тот же чистый свет, который на полотне зримо и символически окутывает святой Афон.
Берег с горой Афон расположены в самом центре композиции, они будто парят в воздухе. Так художниками достигается впечатление недосягаемости и отрешенности святой горы от мирской суеты. Ровный, мистический, всепроникающий свет разливается по всей поверхности полотна, охватывает холмы, предгорья, воду. Но более интенсивным световым акцентом отмечено пространство у самого подножия древнего монастыря. Колорит здесь тонко подчеркивает настроение и идею произведения.
Трепетное волнение охватывает зрителя благодаря необычайной торжественности живописного строя пейзажа. Это связано с тем, что Константин и Наталия создали произведение, наполненное глубокими философскими раздумьями о времени, о себе, о человеческой судьбе. Катрина «Святая гора Афон» – это величественный рассказ о непреходящей красоте земли, о гармонии мира.
Тихой печалью и грустью наполнено произведение «Дорога», созданное Константином Мирошником в 2000 году. Тема путника, покидающего отчий дом, казалось бы, столь знакомая, издавна привлекает многих художников именно глубиной и обилием ее значений и прочтений.
В этой картине-размышлении мастер, передавая поэтический образ мест, где он прожил многие годы, обращается к архетипам нашего сознания, к образам родины, странника, пути. Но ностальгическая печаль художника светла, ведь дорога – это символ будущих перемен, новой жизни.
Мы всматриваемся в самую глубину пейзажа, взгляд охватывает бесконечные, погруженные в голубоватую дымку бескрайние дали, и что-то неясное начинает просвечиваться сквозь эту зыбкую серо-голубую завесу – в нашей душе, постепенно, один за другим возникают образы из детства, лица близких людей, друзей, старый отчий дом.
Все эти фрагменты, всплывающие в памяти, складываются в отдельный рассказ, исполненный душевного тепла. Картина «Дорога», заставляющая нас обратиться к своим глубинным чувствам, к воспоминаниям, может быть близка каждому человеку, поскольку художественный образ, который использует Константин, превращается в символ жизненного пути человека, а своеобразие пейзажного вида, отсылает нас к памяти, которая хранит воспоминания о родном доме.
Композиция пейзажа «Дорога» строится на гармоничных соотношениях широко раскинувшейся долины и вертикали полотна широкой тропы. Плавные композиционные ритмы придают картине эпически-песенное начало. Общему приподнято-величавому строю произведения вторит и колорит. Цветовая гамма полотна, несмотря на всю её сдержанность и приглушенность, разработана художником с большим разнообразием оттенков, противопоставлением и сближением тонов.
Многие пейзажные образы, кисти Константина и Наталии, обладают подлинно эпическим жизнеутверждающим звучанием. Ярким тому примером могут служить такие произведения, как «Старая липовая Аллея» (1995), которая восхищает мощной пластикой дуплистых, словно изборожденных морщинами стволов и свободно раскинувшихся ветвей, полотно «Сосны» (1999), создающее впечатление таинственного покоя летней природы. Особенно убедительно лучшие качества живописи художников выступают в картине «Лес» (2007), отличающейся необычайной свежестью в выборе пейзажного мотива и чертами своеобразного пленэризма.
На полотне старые вековые деревья изображены почти с портретной достоверностью. Прекрасная по качеству живопись в сочетании с мягкой и ясной воздушностью, подробная разработка деталей в созвучии с композиционной обобщенностью помогли художникам одновременно передать буйную силу и светлое, радостное ликование природы.
Всю поверхность полотна занимают прямые словно иглы, устремляющиеся своими верхушками к небу стволы корабельных сосен. Лаконизм и строгий ритм этих вертикальных форм зрительно почти нивелируется, благодаря использованию выразительных световых и красочных эффектов.
Свет здесь является одним из средств передачи лирического, эмоционального содержания летнего леса. Переменчивое освещение, таинственная дымка, окутывающая мягкой пеленой деревья, придают изображению легкость и воздушность. Это произведение, казалось бы, простое по содержанию пленяет своей одухотворенностью и мечтательностью, завораживает атмосферой мистической таинственности и тишины.
Необычайно интересной является серия произведений, относящихся к 2001 году, выполненных в результате путешествия Мирошников в Объединенные Арабские Эмираты.
В Дубаи художники ни на миг не расставались с кистью. Всё, что окружало их ежедневно, становилось предметом зарисовок. Результатом двадцатидневного отдыха стало создание более пятидесяти этюдов. Экзотическая и первозданная природа востока в картинах Наталии и Константина буквально очаровывает зрителя. Эта серия этюдов открывает для нас своеобразный, таинственных и прекрасный мир, очаровавший художников.
Этюд «Эмираты», выполненный Наталией полон умиротворенности и покоя. Яркость красок моря и неба смягчается цветом песчаной полосы берега и тонким колоритом приглушенной зелени экзотических растений. Здесь художница подчеркивает естественный покой, гармонию и вечное, незыблемое величие природы.
Картина «Персидский залив», также принадлежащая кисти Наталии Кургузовой-Мирошник, написана светлыми незамутненными красками, для нее характерны тонкие и мягкие соотношения цвета, который блестяще передает характер восточной природы и архитектуры.

НЕБО, ЧИСТОЕ, КАК РАДОСТЬ…

Нигде, наверное, земля не пахнет так остро, как в Крыму. Нигде нет такого воздуха, раскаленного солнцем, пропитанного дурманящими ароматами трав. И неба, о котором Пушкин сказал: «…чистое, как радость».
Художник, философ и поэт Максимилиан Волошин, посвятивший этому краю немало пронзительных строк, утверждал, что пейзаж Крыма совершенно особенный – неуловимый, переменчивый, текучий, как горячий песок пустыни.
Одной из ярких страниц в творчестве Мирошников являются произведения, посвященные Крыму. Крымская серия – это тематический цикл работ, преобладающее место в котором занимают картины и этюды, изображающие удивительные по красоте морские виды. Не менее интересными являются пейзажи на которых запечатлены просторы Украины – родины Константина Мирошника.
Константин, будучи увлеченным пейзажами Крыма, изучая творчество таких выдающихся маринистов, как И. Айвазовский, Л. Лагорио, А. Феслер, тем не менее, всегда был убежден в необходимости поисков собственного пути. Успех крымских работ художника был предопределен творческим переосмыслением
Константину под силу, как живописцу наполнить пейзаж светом, воздухом, запахом моря, шумом волн, птичьими криками. И доказательством этому может служить картина «Танец» (2000).

Прекрасны вы, брега Тавриды,
Когда вас видишь с корабля
При свете утренней Киприды,
Как вас впервой увидел я…
(А. Пушкин)

Важным качеством пейзажей мастера является их музыкальность. И это не удивительно, ведь художник пишет песни, играет на гитаре. Возможно, что в этом заключается секрет мягкой лиричности его украинских пейзажей. В них – щемящая душу грустная красота, напевность, что слышится в протяжных украинских песнях.
Мироощущение Константина романтично, и поэтому кипучая энергия морской стихии сродни душе художника – ищущей, неуемной, беспокойной в лучшем смысле этого слова. Выверенный живописный язык удивительно точно передает движение волны, сопровождаемой чайками, несущейся неукротимо к берегу. Вечно меняющееся море влечет и завораживает. Удачно продуманный композиция в картине помогает избежать описательности, взгляд зрителя сразу охватывает все изображение. Мажорный цвет вызывает у зрителя и восторг, и упоение бесконечным серебристо-голубым морским простором.
В произведении «Евпатория» (1998) Константин умело синтезировал свои впечатления и переживания, связанные с пребыванием в этом южном городе. Величавую, гармоничную красоту Евпатории в момент солнечного заката живописец передает с помощью насыщенного колорита, контрастных и подвижных сочетаний света и цвета. Спокойное море вторит общему величаво-умиротворенному состоянию природы. Небо, занимающее большую часть холста, надутые свежим ветром паруса позволяют нам почувствовать простор и обилие воздуха.
Полотно насыщено чувством романтического восторга, что впрочем, не помешало художнику с топографической точностью изобразить облик местности, в точности перенести на холст все приметы и детали архитектуры находящегося вдали города.
Белеющий вдали парус на картине автора – это не просто элемент пейзажа, но, прежде всего, символ тяги человека к чудесному, неизведанному. И здесь художник – «рыцарь мечты», тонкий колорист, умеющий передавать изменчивость жизни водной стихии.
В картине «Ночка» (Константин Мирошник, 1998) загадочность и таинственность происходящего в сиянии лунного света напоминает захватывающие и увлекательные страницы приключенческих и авантюрных романов.
В самом названии – озорство, удаль, бесшабашность, смелость пойти на риск в опасной затее.
На море – штиль, лунное безмолвие, нарушаемое лишь ударами весел, да тихим плеском прибрежной волны. Стреноженные лошадки замерзли у кромки моря. Чарующая красота тихой ночи пленяет благодаря мастерству художника. Гармония опалово-жемчужных, серебристо-пепельных тонов, необычайная изысканность цвета выделяют эту работу среди других марин Константина.
Игра валеров в пейзаже «Этюд воздуха над морем» (2001) создает впечатление дрожащего, подогретого солнцем воздуха над волнами. Нарочитая простота мотива искупается красотой живописи.
Тонкие и нюансированные оттенки, применяемые здесь художником, обладают такой же интенсивностью, чистотой и глубиной, которой способны сиять разве что витражи в солнечный день. Каждая капля воды заключат в себе целую радугу цветов. Это редкое по красоте зрелище, не может не вызывать в душе зрителя отклика и глубокого эстетического сопереживания.
В картине «Солнечный прибой в Крыму» (2004) Мирошник изображает, со свойственной его манере свободой и размахом, мотив беспокойной и переменчивой морской стихии. Из воды виднеются массивные камни, под лучами знойного солнца их цвет приобретает сложные и переменчивые оттенки. Интенсивное звучание цвета, солнечный свет, разлитый повсюду, создают радостное и приподнятое настроение.
Картина «Камушек» сочетает в себе два жанра – портрет и пейзаж. Художники запечатлевают на полотне вполне прозаический сюжет: маленькая девочка (на холсте изображена дочка Наталии и Константина) развлекает себя игрой с камушками на берегу моря. Но этот обычный сюжет согрет теплым поэтическим чувством. Особая интимность, мягкая лиричность образа придают картине своеобразную прелесть, помогают полнее ощутить атмосферу гармонии маленького человека и природы.
В картине «Янтарная вода. Феодосия» (2004) Константин Мирошник, психологически тонко, почти намеками раскрывает женский образ. Здесь, как и во многих других полотнах мастера, портретный образ дополняется пейзажем. С искренней симпатией и интересом к внутреннему миру модели, Константин переносит на холст звучащие в выразительном облике и позе девушки оттенки тонкой грусти. Это лирическое настроение нивелируется посредством использования в пейзаже звучных и мажорных красок, окрашивающих спокойную, прозрачную воду и светлое безоблачное небо. Дополнительную нотку легкости и веселья привносят фигуры смеющихся мальчишек, искренне радующихся морю, солнцу и прекрасному летнему дню.
Проникновенность пейзажа в картине «Расставание с морем» (1997) заключается в элегичном созвучии настроению человека, его внутреннему миру. Но на утреннем небе, в легких, освещенных солнцем облаках, в спокойных волнах нет ни тени печали. Мягкий свет зачинающегося дня еще не слепит глаза. Новый день только зарождается и для моря и для девушки; ночная тоска прошла, осталась лишь легкая грусть, осталось только проститься с морем.
Необычайно выразительным является произведение «Ялта. Бухта. Сосна» (Константин Мирошник, 2001), ныне хранящееся в Галерее современного русского искусства в Лондоне. Здесь художник героизирует и прославляет южную природу, его увлекает красота приморского вида, величие горного пейзажа. Главной доминантой в картине является вековая сосна, возвышающаяся над поросшим травой крутым откосом. Абрис ее раскидистых ветвей, обдуваемых ветрами, передан пластически точно. Все остальные элементы композиции даются силуэтом, размыто и утопают в серовато-сизой дымке. Сдержанный колорит картины, использование довольно скупых и лаконичных средств выражения дополняют впечатление стойкости и несгибаемости одинокого дерева и создают полный величия, эпически спокойный образ природы.
Творческий путь, по которому следуют рука об руку Константин и Наталия соединяет в себе обращение к самым разным тема и мотивам. И наряду с изысканными и эффектными морскими пейзажами художники переносят на холст виды обычных хуторов и станиц, с их низинами и кручами, бескрайними, выжженными солнцем степными далями, несущими на себе приметы детских и юношеских воспоминаний Константина Мирошника.
Самым любимым временем года для Константина является лето, а одним из излюбленных мотивов – солнце, доказательством тому служит все творчество мастера. В картине «Капуста» (2004) одним из главных героев произведения также является солнечный свет. Он заливает весь холст и искрится сиянием теплых, мягких, лучезарных тонов. Пейзаж, изображающий простую украинскую хату с огородом, построен на тончайших нюансах света, на неуловимых контрастах белого и голубого, терракотового и зеленого. В этой картине, также как и в других, художник стремится к идеальной ясности и чистоте света и цвета. Мы видим цветущий знойный день, умиротворенный в чистой своей радости, наполненный светом.
Константин воссоздает на полотне конкретную обстановку украинской деревни, навеянную непосредственными реальными впечатлениями художника. В этом пейзаже нет людей, но автор косвенно отсылает зрителя к изображению результата труда жителей хутора – сельский огород, сарай, в котором хранится инвентарь для работы. Но, не смотря на простоту и прозаичность пейзажа, от картины веет идиллическим покоем и тишиной. Подобные трогательные мотивы, отображающие родину художника, тонко играют на самых сентиментальных струнах нашей души.
Украинский пейзаж мастера отличается трогательностью мотивов, глубокой поэтичностью. Такова «Царевна Луна» (1994). Волшебное сияние полумесяца преображает село: нежно серебрит верхушки тополей, роняет блестки в небольшое озеро, заставляет вспыхивать полоски облаков. Безмятежность и спокойствие разлиты в воздухе, природа замерла, погрузилась в сон до утра.
Не смотря на то, что художник запечатлевает на холсте вид конкретной местности, зритель склонен воспринимать изображение на картине, как украинскую природу «вообще», с ее теплыми южными ночами, небом настолько низким, что, кажется, будто рукой можно дотянуться до звезд. Тонкая градация серебристых, серых, зеленоватых тонов, деликатно оживленных кое-где световыми бликами – все это придает пейзажу дополнительную эмоциональную окраску, подчеркивает царящую в природе гармонию.
В картине «Коза» (2003) художник утверждает обыденный мир простого человека, находя в нем привлекательность и поэзию. Он правдиво и достоверно пишет выжженный полуденным солнцем луг, траву, пожелтевшую под палящими лучами, характерный для Украины ландшафт, скромную хатку, безоблачное небо, голубизна которого воплощает в себе столько много чувств и переживаний, что, всматриваясь в нее, понимаешь - она всеобъемлющая. Белая коза, пасущаяся в огороде, также привносит ощущение покоя, дополняет впечатление деревенского размеренного уклада и тишины. В прозрачном знойном воздухе мы улавливаем запах стогов, пыльных дорог, подсолнухов. Константин не просто фиксирует свои непосредственные наблюдения, он тщательно продумывает всю композицию и каждую деталь произведения, отбирая наиболее характерные черты сельского вида. Благодаря этому обобщению и наблюдательности мастера удается скомбинировать в одном произведении все приметы южного деревенского пейзажа, зафиксировать его колоритные черты. Из всей этой картины рождается, то, что отзывается у любого сердца щемящим чувством Родины.
В пейзажной живописи в полной мере проявляется сила таланта Константина Мирошника и Наталии Кургузовой-Мирошник их внимательное наблюдение природы, колористическое мастерство, удивительно талантливое отображение естественного, природного освещения. В своем творчестве мастера открывают перед зрителем эмоционально-лирическое восприятие природы и человеческой натуры.

ИЗОБИЛИЕ БЛАГ ЗЕМНЫХ

«Господь дал нам две книги: книгу Писания и книгу Творения. Из первой мы узнаем о Его милости Спасителя, из второй — о величии Творца», — так писал средневековый философ Алан Лилльский. Вся европейская культура живет этим, читая не только написанное буквами на бумаге, но и весь мир как увлекательную книгу.
Библия полна указаниями на сотворенное. «Посмотрите на полевые лилии, как они растут? Не трудятся, не прядут; но говорю вам, что и Соломон в славе своей не одевался так, как всякая из них; если траву полевую, которая сегодня есть, а завтра будет брошена в печь, Бог так одевает, кольми паче вас, маловеры!». Так Иисус учил Своих учеников читать книгу природы и прозревать в творении смысл бытия.
Творение участвует в истории спасения: человек пал через яблоко, а через хлеб и вино он вновь обретает спасение.
В Библии описаны также и предметы, сотворенные человеческой рукой. Описание скинии, где хранился Ковчег Завета, данный Богом на горе Синай Моисею, — это поистине каталог декоративного искусства.
Столь же подробно описаны Иерусалимский Храм, царский дворец. Мир Библии наполнен предметами.
Сознание древних людей наделяло мир предметов человеческими свойствами, одухотворяло материальное, очеловечивало нечеловеческое. В европейском искусстве это породило появление особого жанра, посвященного жизни вещей, — натюрморта.
В натюрморте вещи не просто изображены на полотне, они живут, говорят, общаются между собой и с нами, зрителями. В натюрморте вещь больше себя самой, так как художник относится к Бытию как особой ценности, и это передается зрителю в процессе общения с произведением.
Общение с произведением искусства — это всегда диалог автора со зрителем. Произведение искусства потому и интересно, что с помощью художника персонаж раскрывает свою душу, приглашая нас к ответной исповеди. Картина может цветом, линией, ритмом выразить то, что неподвластно речи. Ее молчаливое слово, предназначенное для глаз, говорит не менее красноречиво, чем слово, обращенное слуху.
В Голландии этот жанр называли stilleven, что значит «тихая жизнь», но всем более известно слово «натюрморт» — «мертвая природа».
Голландские живописцы создавали натюрморты с почти неизменной композицией. Обычно их называют «десерты» или «завтраки». Первые stilleven просты — хлеб, бокал вина, фрукты, рыба. Но все предметы в них символичны: рыба — символ Иисуса Христа; нож — символ жертвы; лимон — символ неутоленной жажды; несколько орехов в скорлупе — душа, скованная грехом; яблоко напоминает о грехопадении; вино или виноград — символ Крови; хлеб — символ Плоти Христовой. Это воспоминание о Тайной вечери, дающей жизнь, это проповедь о спасении.
Постепенно натюрморты начали заполняться богатством земным: ковровыми скатертями, серебряными кубками, перламутром. Простая снедь заменялась устрицами, ветчиной, экзотическими фруктами. Написанное с великолепной вещественностью полотно говорило о тщете человеческой жизни, о греховной любви к богатству земному. Есть натюрморты, где бокал упал, вино пролилось — мир побеждает. Так в голландских stilleven появляется воспоминание о другой трапезе — о пире Валтасара, ведущем в смерть.
Для Константина Мирошника и Наталии Кургузовой-Мирошник натюрморт – это не только возможность отдать дань восхищения голландскому, фламандскому и русскому искусству, мастерству прерафаэлитов, но это еще и тот жанр, в котором художники словно пропускает через себя цветонасыщенную и светоносную красоту предметного мира, одухотворенного человеком, щедрость и разнообразие даров природы.
Великолепие натюрмортов «Утро» и «Вечер» (2000 - 2001), обе картины созданы Наталией Кургузовой в соавторстве с Сайдой Афониной, заключается, прежде всего, в обилии напоенных солнцем плодов, в пышности и яркости букетов, помещенных в роскошные вазы то барочных, а то ампирных форм, замысловатости занавесей и драпировок. Эти работы воспринимаются зрителем, как благодарный гимн щедрости и бескорыстности любви Матери Природы к человеку. И все это у подножия безлюдного простора земли и неба.
Художникам удалось придать картинам исключительно национальный колорит. Подобному эффекту способствует удивительный по красоте русский пейзаж, расположенный на заднем плане картины. Создается ощущение, что натюрморты расположены не в интерьерах, а прямо под открытым небом среди полей, высокой травы, на фоне тающего в голубой дымке горизонта. Здесь мы явственно ощущаем спокойную созерцательность и особую любовь к передаче реальных форм осязаемо материального мира.
Все предметы, изображенные на картинах, участвуют в некоем действе. Свет, играя бликами на поверхности стекла и металла, напоминает нам об отблеске Царства Небесного. Мерцание рефлексов, горящие изнутри краски говорят о своеобразной загадочной жизни, об освященной Богом жизни частного человека. В натюрморте «Утро» прячутся часы, напоминающие о быстротечности земной жизни.
Удивительно кропотливо переданы цветы, пыльца на цветках и даже перепонки на крылышках бабочек. Представленное на картине разнообразие предметов, необычайно чистая цветовая гамма в сочетании с виртуозным техническим мастерством заставляет бесконечно долго любоваться этими произведениями.
Одой благоуханному цветку можно назвать натюрморт, написанный Натальей в 1998 году - «Белые розы». В этой картине нет ничего лишнего – главным становится утонченность и изысканность благородных белоснежных роз. Несмотря на классическую строгость композиции и сдержанность цвета, великолепно передано ощущение нежности и хрупкости лепестков. Массивность мраморной столешницы, гладкая блестящая поверхность фарфоровой вазы контрастирует с упругой шероховатостью листьев, бархатистостью свежих лепестков, прозрачностью крылышек бабочки, замершей на листке, мерцанием капель воды.
Пластически тонкая передача фактуры – лишь на службе поэтического замысла художника, который проживает со срезанными и поставленными в вазу цветами каждое мгновение их триумфа.
«Натюрморт с кубком» (1994) и «Торжественный натюрморт» (1995) созданы Наталией Кургузовой-Мирошник в лучших традициях голландского натюрморта.
Здесь изобилие роскоши и даров природы сменяется благородной сдержанностью и суховатой рациональностью. На картинах зритель может видеть изысканные по своим формам бокалы и кубки, принадлежавшие некогда зажиточным голландцам.
Поначалу может показаться, что все предметы на картине окутаны холодным рассеянным светом, и выполнены в почти монохромной красочной гамме. Но, если вглядеться, становится очевидным, что по талантливой воле художника золотистое свечение вызывает к жизни из полумрака замысловатые формы и живые краски предметов.
При создании своих натюрмортов Наталия исходит, прежде всего, из декоративных свойств самих предметов. Она группирует их на холсте, отталкиваясь от естественного цвета, формы и фактуры утвари, фруктов, драпировок. Художница как бы создает натюрморт дважды: сначала в реальном пространстве, продумывая все детали композиции, выбирая ракурсы, а потом — на холсте.
Благодаря желанию запечатлеть хрупкую жизнь, так называемой, «неживой» природы, стремлению передать свое, поэтическое, восприятие красоты предметного мира как неотъемлемой части бытия человека, Константином и Наталией было создано в соавторстве множество удивительных по красоте натюрмортов.
Натюрморты «Завтрак Александра Македонского» (2001), «Петрусь» (2002) объединяет фламандская страсть к зрелищности, к демонстрации изобилия земных благ.
На натюрмортах изображены роскошные столы, ломящиеся от разнообразных яств. Наш глаз упивается этой валтасаровой роскошью: ковровые скатерти, изящная утварь, серебро, перламутр, экзотические кушанья. Но, несмотря на разнообразие форм и цветов, художники стремятся к тональному и светотеневому объединению всех предметов. Константин и Наталия наделяют каждый элемент композиции, каждую деталь индивидуальными чертами, характером, делая особый акцент на ее неповторимости.
Художники привносят в свои натюрморты еще одну важную черту – жизнь вещей в их произведениях всегда связана с жизнью человека. Незримое человеческое присутствие ощущается во всем: и в очищенном яблоке, и в срезанной корочке лимона, и в опрокинутом бокале вина.
Внимательно всматриваясь в бесконечное разнообразие окружающей жизни, Наталия и Константин создают такие произведения как «Восточный натюрморт» (1998), «Натюрморт с раком» (2000), «Натюрморт с тыквой» (2002). В эффектной зрелищности этих картин никогда нет места стихийности. Роскошная посуда, разнообразные фрукты, дары моря, тяжелые драпировки - все это запечатлено в заметном порядке, который может ощущаться, например, даже в складках смятой скатерти или в композиции небрежно рассыпанных на столе ягод.
Будучи виртуозными мастерами и драматургами в живописи, Наталия и Константин искусно создают не только впечатление материальности и скульптурной пластичности, но и умеют передавать трепет жизни изображаемых объектов. Чтобы усилить этот эффект на многих картинах художники удивительным образом оживляет «мертвую натуру», вводя в композиции изображения живых существ - бабочек, пчел, стрекоз, птиц, улиток.
Проникновенная любовь к натуре, ко всем, даже самым незначительным ее проявлениям и трепетное отношение к деталям позволяет художникам превращать все предметы буквально в произведения ювелирного искусства. Это очень заметно на примере «Охотничьего натюрморта», созданного в 2001 году.
Уже самим названием задается восприятие увиденного как звучного ансамбля. Репрезентативность демократично предусматривает незримое присутствие человека, который ненадолго покинул гостиную, где во всей красе представлены атрибуты русской охоты.
Разнообразие предметов требует усложненности колористического решения, и художники успешно справляются с поставленными живописными задачами, показывая себя прекрасными фактуристами, кисти которых подвластна передача гладкости мраморной облицовки камня и блеска серебра, искусное изображение мерцания стекла и прозрачности трепетных, кем-то оставленных на камине осенних листьев.
Атмосфера тепла и уюта царит в этой гостиной, кажется слышно даже тиканье каминных часов.
Все составляющие этого натюрморта тонко подобраны по цвету, по фактуре, по настроению. В каждой детали присутствует лирический дух поздней осени – желтые клиновые листья, гроздья рябины, словно копаловые бусы, рассыпаны по серебряному подносу, сочные плоды спелой антоновки.
Глядя на картину, зритель почти физически ощущает тепло, исходящее от горящего камина. Ничто не нарушает спокойствие и умиротворенность обстановки, ни ярко алые тлеющие в очаге угли, ни пугающий оскал пасти трофейной медвежьей шкуры. Как целительно было бы современному человеку обрести эту спокойную атмосферу, внести ощущение праздника в моменты отдыха, научиться ценить и видеть истинную красоту в окружающем мире.

ИСКУССТВО ВИДЕТЬ ДУШУ

Константин и Наталия по праву считаются не только блестящими мастерами живописи и рисунка, опирающимися в своем творчестве на лучшие традиции русского искусства, но и тонкими психологами, умеющими поразительно точно видеть мир. Именно поэтому их работы отличает непосредственная, необычайно проникновенная и живая реакция на натуру, на модель, да и на саму жизнь.
Особой страницей в творчестве художников является портрет. В каждом новом произведении Наталия и Константин открывают в своих моделях новые грани красоты и неповторимого обаяния. Взгляд мастеров настолько глубок и точен, что иногда результат совместного труда становится интересным и неожиданным открытием для самих портретируемых.
Каждый новый портрет великолепно демонстрирует совершенствование живописной техники художников, и это позволяет им блестяще справляться с осуществлением их творческих замыслов.
Портреты, создаваемые Константином и Наталией - это портреты-картины, их задача заключается не только в том, чтобы безукоризненно правильно воспроизвести облик модели на холсте, но еще и в том, чтобы воплотить в красках всю бездну человеческой личности – непостижимой и неподражаемой.
Необычайно интересной в этом смысле является картина «Полевые цветы» («Настя») (2002). На полотне изображена молодая девушка, прижимающая к себе летний букет цветов. Жест ее руки мягок и грациозен, облик полон обаяния, от него веет пленительной юностью. Румянец на лице напоминает своей свежестью клевер, взгляд невинен, как полевой василек, а голова девушки наклонена столь же непринужденно, что нам неизменно хочется сравнить ее с кокетливым цветком скромницы-фиалки. Нейтральный фон портрета способствует акцентировке внимания зрителя на главном – на лице портретируемой, и не мешает нам любоваться простыми и ясными формами, с которыми работают художники. Пластическая гармония мягких и круглящихся линий, плавно перетекающих одна в другую, удачно корреспондируют с общим настроением спокойствия и тихой радости в картине, с покоряющим своей ласковой нежностью взглядом модели. Дополнительную лирическую и трогательную нотку добавляет изображение бабочки, которую художники помещают на спинку кресла.
Одним из самых загадочных портретов, кисти Константина и Наталии Мирошников, является произведение «Венеция». Глядя на него, неизменно приходят на ум строки из стихотворения А. Ахматовой, посвященные удивительному городу – Венеции:

«Как на древнем, выцветшем холсте,
Стынет небо тускло-голубое…
Но не тесно в этой тесноте
И не душно в сырости и зное…»

Говорят, что не во власти человека изменить свою судьбу, но есть на земле место, где раз в году каждый может на время многое поменять: лицо, одежду, возраст, привычки, желания. В мгновение ока из простого человека превратиться в короля, из золушки в принцессу, из домохозяйки в обольстительную Коломбину. Венецианский карнавал дает возможность пережить все эти чудесные превращения. Именно поэтому Наталия и Константин, чтобы подчеркнуть таинственность героини своего портрета, облачили ее в восхитительный венецианский костюм и изобразили на фоне старинного города на воде. Благодаря этому антуражу создается яркое нарядное зрелище, богатство сверкающих, ярких и звучных красок придает полотну мажорный, праздничный тон.
Чем больше всматриваемся мы в это произведение, тем сильнее пробуждается наше воображение: мы бредем по темной и запутанной венецианской улочке вдоль берега узкого канала. Ночь. Туман. Пахнет апельсинами. И, как апельсины, светятся в тумане тусклые и желтые венецианские фонари. Где-то вдали еле различим шум праздничной толпы.
Внезапно на едва освещенной глади канала появляется странная тень, а тишину нарушает шепот волн, гонимых веслом гондолы. Сначала мы видим плащ и треуголку, потом постепенно из тьмы появляется белая маска, прячущая глаза и нос. Загадочная незнакомка медленно проплывает мимо нас, будто не замечая, но, вдруг, останавливается, снимает маску, и, одарив нас восхитительной улыбкой, столь же быстро исчезает во тьме. Кажется, что именно эту мистическую сцену запечатлели художники на полотне, превратив свою модель в участницу самого захватывающего и грандиозного спектакля – венецианского карнавала.
Одной из тем творчества художников является возвеличение человека, восхищение его природной силой и красотой, данных Богом. Цельность, убедительность и психологическая глубина портретных образов становятся возможными благодаря вдумчивому, внимательному отношению к внешнему облику человека, внутреннему его состоянию, раскрытию всех особенностей характера.
Уже в своих ранних произведениях Наталия смогла продемонстрировать себя великолепным мастером психологического портрета. Примером тому могут служить портреты отца 1995 и 1998 годов, картина «Бомж», созданная в 1995 году.
В «Портрете отца» 1995 года мы видим изображение Владимира Алексеевича Кургузова на фоне расстилающегося на заднем плане пейзажа. Вдали виднеется извилистая река Упа, что течет в окрестностях города Одоева. Здесь Наталия запечатлела родину своего отца. Следует отметить, что художница, не смотря на то, что изображает близкого человека, продолжает оставаться беспристрастной. Результатом ее творческой объективности является рождение не просто интимного портрета, а портрета-эпоса, который многогранно и глубоко раскрывает внутренний мир простого русского человека, повествует о судьбах, горестях, надеждах, душевных порывах. Эта глубокая по мысли картина делает нас соучастником авторских раздумий над судьбами людей и смыслом жизни. Выразительный и цельный образ русского мужчины, сложность и противоречивость его незыблемой, богатырской натуры, сильные руки, привыкшие к труду - им под силу любая работа, мудрый и смелый взгляд зорких глаз – все является свидетельством того, что этот человек знает жизнь и не боится ее трудностей.
Глубоким идейным содержанием отличается и более поздний «Портрет отца» (1998). В этой работе мы не видим внешнего движения, парадных одежд, каких-либо эффектных деталей, мастер изображает человека таким, каким он бывает в частной жизни. Наше внимание полностью приковано к лицу и рукам портретируемого – художница выделяет их светом, пространство вокруг фигуры погружено во тьму. Взор сидящего в кресле мужчины отведен в сторону, он будто полностью погружен в свои думы, в его памяти проходят видения прожитой им жизни. Мы всматриваемся в суровое и спокойное лицо, хотим разгадать мысли мужчины, глубже понять суть образа. В этом портрете содержится вся непростая биография человека, угадывается мир мыслей и чувств, далеких от каждодневной суеты.
В картине отсутствует патетика, внешняя динамика, нет активного диалога портретируемого со зрителем, колорит сдержан, фон монохромен, все помогает зрителю сосредоточиться на раскрытии образа героя произведения, на его визуальной психологической характеристике, на постижении диалектики его сложной души.
Произведение «Бомж» характеризует свойственная художнику выразительность типажа и высокое живописное мастерство.
При взгляде на эту работу у зрителя может возникнуть некоторое замешательство: на полотне мы видим изображение священнослужителя, а произведение при этом носит название «Бомж». Это связано с тем, что в качестве модели для портрета Наталия выбрала бездомного человека. Художники, желая помочь бомжу, пригласили его в мастерскую поработать натурщиком.
Наташа рассказывает, что ее поразила трагическая судьба этого мужчины: 10 мая, на тот момент, уважаемый и благополучный человек, имевший два высших образования, хорошую работу и семью случайно задавил выбежавшую на дорогу собаку иностранца, порядки в стране тогда были суровые, мужчину посадили в тюрьму, ушла жена, имущество было конфисковано. Так нелепое происшествие в момент изменило жизнь человека, была сломлена судьба.
Во время одного из занятий в мастерскую к молодым живописцам, писавшим бомжа, зашел известный художник Александр Шилов, в то время он преподавал в Академии. В этот момент студенты стали свидетелями немой сцены - Шилов узнал в ныне бездомном человеке своего хорошего школьного друга, с которым сидел за одной партой.
В лице простого бомжа Наталия смогла увидеть необычайно благородный типаж, облик, исполненный достоинства с глубоким и мудрым взглядом. Картина таит в себе глубочайший смысл, раскрывает подлинный трагизм существования человека, опустошенного жестокими социальными условиями жизни. Внутренний драматизм мы видим во всем: в монохромном цвете, тусклом освещении, усталом, но упрямом взгляде портретируемого, в сведенных нависающих бровях. Заостренная психологическая характеристика, заключенная в деталях, вызывает у зрителя чувство бесприютности и одиночества человека, познавшего нужду и лишения. Это искусственно созданный образ священника, но талант мастера и сила истинного искусства делает его необычайно правдивым и проникновенным.
Высоким творческим подъемом отмечен необычайно выразительный и одухотворенный «Портрет Александра Барыкина» (1998) - талантливого поэта, композитора и певца. Эта работа кисти Константина Мирошника по праву считается одной из лучших среди его портретов. Константин смог дать со всей силой чувства емкую психологическую характеристику другому художнику, своему современнику и другу.
Портретируемый смотрит на зрителя напряженным и долгим взглядом. Беспокойно развивается ярко-алый, небрежно повязанный шарф на его шее.
Художник как бы зафиксировал момент, когда герой будто случайно, на секунду очутился в кадре рамы. Напряженный взгляд блестящих глаз, приближенное к зрителю выразительное лицо, контраст насыщенных и интенсивных цветовых пятен, призванных акцентировать внимание на наиболее существенных деталях портрета. Все это создает мятежный, истинно творческий и отчасти романтический образ Александра Барыкина – человека непростой судьбы, вступающего порой в противоречия с окружающей действительностью и людьми, но человека живущего не бездумно, без оглядки, а верующего и сострадательного.
Художник тонко, без утрировки отразил сущность композитора и дал почувствовать собственное теплое и доброе отношение к нему – для зрителя очевидна глубокая симпатия и сердечная, дружеская привязанность живописца к своему герою. Картина написана в блестящей живописной манере виртуозными энергичными мазками. Здесь Мирошник достигает поразительных колористических эффектов. Грозовое небо, алый закат – как звук набата, как предупреждение от погружения в духовную спячку.
«Портрет Александра Барыкина» можно назвать, бесспорно, одним из самых удачных произведений Константина Мирошника еще и потому, что мастеру одновременно удалось обобщить и типизировать образ героя, запечатлеть на холсте не только реального человека, но, прежде всего, отобразить образ творца, находящегося в состоянии творческого поиска.
Галерею женских портретов, кисти Наталии Кугрузовой-Мирошник открывает «Портрет модельера» (1998). Здесь мы видим изображение молодой женщины, с тонкими чертами умного и выразительного лица. В жестах ее изящных рук с красивыми тонкими пальцами угадывается утонченность и благородная стать. Темная одежда модели оттеняет светлые тона лица и переливы шелковистых каштановых волос. Расшитый бисером жакет и колье, придающее завершенность всему костюму дополняют образ обаятельной, наделенной вкусом и обладающей шармом женщины.
Модель показана одна, но у зрителя создается ощущение, будто за пределами холста находится собеседник героини, и в общении с этим человеком будто раскрывается характер портретируемой: за спокойным взглядом, подкупающим обаянием женственности, скрывается волевая, энергичная натура, запечатленная в момент сосредоточенного раздумья. Глядя на картину мы видим едва уловимый оттенок взволнованности в лице модели, выжидающий взгляд, может быть это связано с тем, что перед нами изображена не просто женщина, а женщина-модельер, художник, которая творит для нас и ждет от своего зрителя ответной реакции.
В портрете–картине «Украинская ночь» (2001) Константин Мирошник запечатлевает облик своей жены Наталии. Здесь героиня предстает перед зрителем на фоне загадочно-тревожного пейзажа, погруженного в сумрак ночи. Все детали объединены легкой и воздушной сизой дымкой, что привносит в произведение дополнительную ноту мистической таинственности.
В этом портрете Константин создает образ не только женщины, жены, но и художника. Хрупкая фигура Наталии, вся пластическая форма полностью подчиняется духовному смыслу образа. Взор художницы серьезен, сосредоточен, он глубоко проникает нам в душу. В ее взгляде мы видим беспокойные раздумья, новые творческие поиски. Все погружено во мглу, тусклый свет тревожно скользит по лицу героини. Глядя на картину, зритель слышит звенящую взволнованную тишину, в которой рассеяна внутренняя тревога, мы чувствуем значимость момента, столь важного для каждого творца, когда погружаешься в размышления о высокой ответственности перед Богом и людьми за то, что делаешь, когда возникает вопрос, соответствуешь ли ты высокому званию художника? В этой мистической таинственности своеобразным эмоциональным мажорным аккордом выступают горящие окна маленькой хатки. Это образ родного дома, который дает нам возможность чувствовать, что мы не одиноки в этом мире, что нас ждут. И глядя на портрет Наталии, мы чувствуем спокойствие и уверенность в правильности избранного жизненного пути, словно горит в ней ровный яркий огонь вдохновения.
С необычайной артистической маэстрией, проявляющейся в свободном и живописном движении кисти, выполнено полотно Наталии Кургузовой «Новое платье» (1996).
Мастер как будто подглядел, остановил на лету украдкой подмеченные жесты и поворот фигуры.
Благодаря эффекту остановленного мгновения, достигается полнота эмоционального воздействия этого произведения. В случайном движении, подмеченном художником, очень часто воплощается многогранная картина жизни человека, его характер.
Картина «Новое платье» - это не просто талантливое воссоздание черт индивидуального лица, но целого мира, в котором живет изображаемый человек.
Этот прием случайности, очень любил выдающийся русский художник Валентин Серов, он говорил, что для него важно сохранить «свежесть живописи при полной законченности, как у старых мастеров».
Общее мажорное звучание композиции поддерживается колоритом картины, в этой ясной живописи художница смогла воплотить настроение праздника. Наталия изобразила свою модель в яркого цвета одежде и на нейтральном фоне, который не мешает нам любоваться кокетливым и изысканным абрисом фигуры.
Героиня произведения излучает свет и обаяние непосредственности, что подчеркивается использованием художником элементов импрессионистической техники письма.
Портрет молодой женщины в картине «У рояля» (2002), явившийся итогом совместной творческой работы Наталии и Константина, пленяет нас выражением задумчивости и одухотворенности. Всем строем образа рождается ощущение необычайной женственности. Она проявляется буквально во всем: в композиции, цвете, характере мазка, атрибутах, которые окружают нашу героиню и призваны рассказывать зрителю о ее характере, образе мыслей, жизни.
В портрете, бесспорно, присутствуют элементы парадности, однако эти черты нисколько не заслоняют открытости и очарования женщины с мягким взглядом светлых глаз. Вертикальная композиция, удлиненность пропорций фигуры подчеркивают утонченность и изящество образа.
Тонко разработанная колористическая гамма свидетельствует о блестящем мастерстве художников: изысканный цвет вечернего туалета модели удивительным образом сочетается с нежными оттенками ее кожи, который, в свою очередь контрастно противопоставлен жемчужному сиянию гладкой поверхности рояля.
Портреты, создаваемые Наталией Кургузовой-Мирошник и Константином Мирошником, бесспорно, отличаются способностью глубоко воспринимать индивидуальность человека и умением сделать эту индивидуальность ощутимой для зрителей. Живописцы не стремятся к созданию портретов в узком смысле этого слова. Им удается достичь обобщенности образа, подлинной художественной типизации, благодаря этому работы мастеров производят такое сильное впечатление на современников. Наталия и Константин в силу своего художественного дара умеют талантливо приподнять над прозаической обыденностью любой образ, в красках сказать о своей модели самые лучшие слова.

ЛЮБОВЬ, СТАВШАЯ ЗРИМОЙ

Среди множества разновидностей портретного жанра самым сложный, но, пожалуй, и самым интересным является детский портрет. Но не во все времена к детскому портрету и, в целом, к маленькому человеку относились с должным вниманием. Взгляды людей, живших пятьсот, или даже триста лет назад сильно отличались от мировосприятия наших современников. Малыш в то далекое время считался неполноценным взрослым, которого надо было долго учить и строго воспитывать, чтобы сделать из него настоящего человека.
Изображения детей на старинных портретах довольно необычны. Мальчиков и девочек одевали в неудобные платья и сюртуки в точности как у взрослых, малыши не должны были выглядеть как дети. На портретах нет ни намека на детскую непосредственность или игру. В них присутствует только строгость, важность и холодность. Если в руки ребенку помещали цветы, то делали это не для красоты, а потому что тюльпан символизирует суетность мира, а прижатая к груди роза - любовь. Если у ног изображалась собака, то это означало преданность, попугай - прилежность в учебе, а ягненок - смирение. В старинных портретах мы не увидим детский мир, наполненный теплотой, добром и невинностью, его сковывает строгая дисциплина и изощренная символика.
Таким образом, живописцы былых времен, обращаясь к детским образам, следовали культурным и нравственным канонам своего общества. Западноевропейские художники в течение многих веков осваивали духовную сферу детского портрета.
Но в XVII веке, начиная с Гейнсборо, мастера кисти начали рассматривать детей не как персонажей сопутствующих и второстепенных, а как самостоятельные личности, достойные внимания и изучения. Просветители XVIII века во главе с Жан-Жаком Руссо также сделали многое для того, чтобы отношение к маленькому человеку и его сложному и хрупкому миру коренным образом изменилось.
Появление жанра детского портрета в истории русского искусства относится к середине XVIII века. Образный типаж ребенка в живописи той эпохи, складывался из культуры и вкусов общества – «домостроевских» традиций и подражания западной моде, «взрослости» и «кукольности» одновременно.
Большой вклад в понимание души ребенка внесли литература и искусство. Особый мир сокровенных чувств открывается в творчестве художников. Дети начали служить им вечным источником красоты и вдохновения.
Каковы же дети на портретах в нашу эпоху? Интересен ли современным художникам этот жанр?
Для Константина Мирошника и Наталии Кургузовой-Мирошник детский портрет является одной из излюбленных тем. И толчком к этому послужило появление на свет собственного ребенка.
Рождение дочери заставило художников задуматься о самом сокровенном, о том, что каждый человек бережно хранит в своей душе – о детстве, о дорогих каждому малышу игрушках, о беззаботных играх и шалостях, о друзьях, о маме и папе…
Личный родительский опыт научил молодых мастеров переносить на холст то ощущение настоящего, кристально чистого счастья, которое доступно нам испытывать разве что в самый беспечный период нашей жизни – в детские годы. Ибо радость еще не омрачена неудачами, а вера торжествует над опытом. И ребенок знает то, о чем успели забыть мы, взрослые люди.
Наталии и Константину с успехом удалось найти удивительно тонкие, чувствительные и проникновенные изобразительные средства и способы отражения мира детства. Детские образы в их живописи наделены непередаваемой самобытностью, психологизмом, присущим лучшим мастерам детского портрета.
Одной из наиболее знаменитых работ из «детской серии» является картина «Малютка», написанная в 2003 году. Это произведение для почитателей творчества Мирошников давно стало хрестоматийным.
Насколько мягкий и лиричный образ девочки запечатлен на холсте, как много здесь спокойствия и домашней доверительности. Зритель не видит никакого внутреннего конфликта, а лишь уютный и ласкающий глаз мир одухотворенного детского рая, наивной и доверчивой жизни ребенка. Это произведение полно того внутреннего огня, что зачаровывает публику с первого взгляда. Глядя на этот портрет, хочется многократно благодарить Бога за то, что Он настолько великодушен, что дарует человеку этот прекрасный период жизни - детство. Беспечное время, наполненное волшебством, солнцем и радостью. Когда можно всему искренне удивляться, когда все в первый раз, а каждый новый день неизменно несет столько всего непостижимого и необычного, что дух захватывает.
Полотно «Перед праздником» (2003) погружает нас в беззаботную гармоничную жизнь маленьких людей. Девочки на картине изображены в удивительно красивых ослепительно сияющих белоснежных платьях, их щеки покрыты нежным невинным румянцем, они позируют художникам… Но при внешней кокетливости произведения, его заигрывании со зрителем, мы не найдем здесь и толики лоска или маэстрии, вся работа настолько пронизана душевным светом и непосредственностью, что воспринимается не иначе как гимн гармоничному детскому бытию.
Яркое впечатление оставляет картина «Слушает сказку» (2004). Наталья и Константин тщательно продумывают каждую деталь полотна. Тусклый свет светильника, заснеженные ели за окном, маленькая девочка в розовом платье принцессы, чуть приоткрыв рот, внимает увлекательному волшебному рассказу. Общая атмосфера таинственности и сказки пронизывает все полотно. Живописцы, изображая счастливое, солнечное детство, пытливо вглядываются в лицо малышки, и их кисть начинает, будто неосознанно, рассказывать самостоятельную маленькую историю о маленьком человеке.
Художники всегда подмечают живость и непоседливость детей, но относятся к ним серьезно, вдумчиво, постигая движение детской души. В их работах ясно прочитывается наличие понятия самоценности детства как особой счастливой жизненной поры. На нас с портретов взирают задумчивые, капризные, восторженные, смешливые лица мальчиков и девочек. Они тоже когда-нибудь вырастут из своих прелестных кружевных нарядов, забудут про кукол и любимых плюшевых медведей, и вступят совсем в другую жизнь - взрослую. Но это произойдет чуть позже. А сейчас эти ангельские глаза смотрят на нас так, как умеют смотреть только в детстве, в самую душу - доверчиво и открыто. И неизменно вспоминаются слова классика: «дети – это любовь, ставшая зримой».

ГЕРОИКА И СКОРБЬ ВОЙНЫ

В своем искусстве Наталия и Константин стремятся к сочетанию двух художественных направлений – академизма и импрессионизма. Импрессионизм – это синоним цвета и свежести живописи, а для академизма определяющим является мастерство исполнения, профессиональные навыки творца. Сложно сгармонизировать эти начала. Если художник излишне прописывает предметы, из картины уходит естественность и легкость, но если недостаточно проработать детали, изображение на холсте производит впечатление незавершенного произведения, этюда. По мнению художников при работе над картиной важно профессионально решить эти живописные задачи, поскольку именно благодаря гармоничному созвучию основных принципов академизма и импрессионизма рождается полотно, выполненное в духе высокого реализма.
Еще один важный творческий принцип для Наталии и Константина – это наличие в картине темы. Илья Глазунов часто говорит о том, что существенным недостатком в современном искусстве является нежелание молодых художников поднимать в своих картинах глубокие и актуальные проблемы нашей действительности, многие мастера пренебрегают таким понятием как тема, пишут картины ни о чем.
Одна из важных вех в творчестве Мирошников – это серия полотен, посвященных теме Великой Отечественной войны. В таких произведениях художники стремятся сочетать эмоциональность и смысловую глубину картины с мастерством исполнения.
К теме ВОВ обращались многие мастера. Константин и Наталия предлагают свою интерпретацию трагических событий того времени, их картины – это одновременно и раздумья о трагических периодах истории и дань памяти героям и жертвам войны, стремление к тому, чтобы современники не забывали о великом подвиге своих отцов и дедов.
Художники молоды и тема войны не являются результатом их воспоминаний, но благодаря редкой способности правдиво переносить на холст свои переживания, свое состояние взволнованности, рождаются неподдельные, исполненные искренности образы, такие как «Опаленная юность».
Точно переданные эмоции в картине «Опаленная юность», позволяют мгновенно постичь сложное содержание произведения – полотно изображает молодую русскую девушку, которую отвозят в Германию. По данному крупным планом лицу женщины, по его спокойным чертам, мы можем читать всепобеждающую стойкость и готовность к тяжелым испытаниям.
В картине Константин и Наталия акцентируют внимание именно на портретных чертах героини, показывают лицо конкретного человека. Наверное, именно поэтому таким зловещим и нелепым кажется номер на груди женщины, заменяющий ее имя, историю, судьбу обычной двузначной цифрой.
Строгость и лаконичность пластики, сдержанная эмоциональность, углубленное психологическое раскрытие состояния героини предопределяют огромную силу образа, делают его монументальным. Эта молодая, опаленная войной девушка - обычный человек, но в трагический момент, она найдет в себе силы подняться до уровня героизма и смело, без плакатного пафоса, встретить трудности.
Серия картин, повещенных ВОВ имеет глубокий социальный подтекст, здесь иной смысловой масштаб и размах. Художники берут за основу лица конкретных людей, но выбранные ими художественные образы воспринимаются нами как символы, отсылающие зрителя к памяти, которая хранит образы предков, сумевших отстоять нашу родину.
Полотно «Севастопольская Мадонна» («Дети войны») - это исполненная глубокой печали психологическая драма о судьбах маленьких людей, ввергнутых в разрушительную трагедию.
Композиция картины максимально проста, цвет почти монохромный. Константин и Наталья логично заключают образы в предельно аскетическую форму. Создается ощущение, что перед нами на мгновение застывший кадр документальной ленты, показывающий современнику хронику будней блокадного города. Основное, на чем художники делают в произведении акцент – это лица детей. В их по-взрослому мудрых глазах заключена одновременно вся героика и скорбь войны – главного нарушителя первозданных законов жизни.
Перед детьми на столе скудная еда… В мгновение сердце зрителя пронзает боль – приходит осознание того, что горбушка хлеба и несколько картофелин – это не просто пища, способная утолит голод, это символ жизни.
Особыми лирическими нотами пронизано полото «Моцарт», являющееся в настоящее время достойной частью коллекции Белгородского музея, полностью посвященного истории ВОВ.
Произведение «Моцарт» с одной стороны, отражает реальные исторические события, а с другой, мастера создают совершенно новый образный мир в соответствии со своими эстетическими и этическими идеалами.
Сюжет картины переносит нас в 1945 год, хотя в широком смысле это произведение не имеет временных рамок. Мы видим окоп и сидящих в нем солдат. Очевидно, что у них небольшая передышка, кто-то, пользуясь возможностью, решил перекусить, кого-то усталость заставила ненадолго погрузиться в сон… Но зрителя поражает присутствие в этом полотне необычного предмета, совершено не вписывающегося на первый взгляд в событийный контекст – это белый клавесин. Стоило лишь одному из бойцов дотронуться до клавиш музыкального инструмента, и мир в одно мгновение стал казаться иным - лишенным войн и трагедий, смертей и потрясений. Эта всепобеждающая сила, способная выпрямлять человека, очищать его душу, заставлять небо сиять другими - чистыми и мажорными красками, носит название искусство.
Искусство умеет вбирать в себя самые лучшие и самые важные мысли, улавливать душевные движения своего времени. Оно одно выражает наиболее сложные оттенки и передает все приметы внутреннего и внешнего облика человека.
Живописная мощь, художественная наполненность картины направлены на то, чтобы через зрительные образы, через то настроение, которое передает нам цвет, ритм создать гимн покоряющей красоте и вечной силе искусства, которое, вопреки разрушительным воинам и катастрофам, но благодаря своей неугасающей силе воздействия на человека имеет редкую способностью обретать вечную жизнь.
В серии картин, посвященных ВОВ Мирошники предстают перед нами художниками мыслящими и сопереживающими, обладающими страстным темпераментом. Каждая их картина несет в себе жизнеутверждающее начало и стремится передать зрителю ощущение благоговейного отношения к подвигу наших отцов и дедов.
С какой бы темой в своем творчестве не сталкивались Константин Мирошник и Наталия Кургузова-Мирошник обращенность к истине пронизывает их работы светом доброты, ощущением великой, беспредельной гармонии мира.

Борисова Марина,
искусствовед


Источник: http://kn-miroshnik.ru/cms/?page_id=272



Спор о цвете платья на фото



Спор о цвете платья на

Спор о цвете платья на

Спор о цвете платья на

Спор о цвете платья на

Спор о цвете платья на

Спор о цвете платья на

Спор о цвете платья на

Спор о цвете платья на

Спор о цвете платья на